Skateboard-Wandkunst im Stil von Contemporary Art und Pop Art: Der vollständige Guide

Zuletzt aktualisiert: Juli 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 16 Min. Lesezeit

Jeder andere Leitfaden in diesem Blog handelt von einem bereits existierenden Gemälde. Dieser hier nicht, und der Unterschied ist es wert, richtig dargelegt zu werden.

Die Reproduktionsseite des Katalogs ist durch Gesetz und Geschichte begrenzt: Ein Werk muss gemeinfrei sein, was bedeutet, dass der Künstler seit siebzig Jahren tot sein muss, wie der Leitfaden für moderne Kunst erklärt. Das ergibt eine Auswahl, die abrupt in den 1950er Jahren endet.

Die zeitgenössischen Decks existieren, um den Bereich abzudecken, den diese Regel ausschließt. Es sind Originalbilder und keine Reproduktionen, was bedeutet, dass nichts hier eine Kopie der Arbeit eines lebenden oder toten Künstlers ist – und es bedeutet auch, dass es kein Museumsschild gibt, auf das man sich stützen könnte. Was folgt, ist die ehrliche Version dessen, was sie sind und woher sie kommen.

Was Pop-Art eigentlich war

Pop-Art wird heute locker verwendet, um alles Helle und Grafische zu bezeichnen, wodurch die Argumentation, die sie wichtig machte, verloren geht.

Die Bewegung entstand in Großbritannien und den Vereinigten Staaten in den 1950er und 1960er Jahren um eine spezifische These herum: dass die Bildwelt des Kommerzes – Verpackungen, Werbung, Comics, Produktfotografie, Promi-Publicity – die eigentliche visuelle Kultur des Jahrhunderts war und die bildende Kunst vorgab, etwas anderes zu sein. Richard Hamiltons Collage von 1956, zusammengestellt aus Magazinausschnitten und oft als Ausgangspunkt der Bewegung betrachtet, ist im Wesentlichen eine Bestandsaufnahme eines Konsumenteninterieurs.

Drei Dinge folgten aus dieser Position, und alle drei sind relevant für das Anbringen von Bildern auf einem massenproduzierten Holzobjekt.

Reproduktion hörte auf, ein Kompromiss zu sein. Traditionelle bildende Kunst behandelt das Original als das Echte und den Druck als eine minderwertige Kopie. Pop-Art arbeitete im Siebdruck, in Editionen, mit bewusst mechanischen Spuren – der Punkt war, dass die Massenreproduktion der ursprüngliche Zustand moderner Bilder war, nicht ihre Degradierung.

Kommerzielle Technik wurde zu legitimer Technik. Flache Farben, harte Umrisse, Druckpunkte, Verpackungstypografie. Dies waren die Merkmale billigen Drucks, bewusst übernommen.

Das Thema öffnete sich. Suppendosen, Comic-Panels, Markenlogos, Prominentengesichter. Dinge, die bereits Bilder waren, bevor der Künstler sie berührte.

Dieser letzte Schritt macht die Pop-Art zum natürlichen Referenzpunkt für ein bedrucktes Deck. Ein Deck ist bereits ein gefertigtes Objekt mit einem kommerziellen Leben. Ein Bild darauf zu setzen, ist keine Herabwürdigung der Kunst auf ein Produkt – es ist das Anbringen eines Bildes dort, wo Bilder schon immer hingehörten.

Skate-Grafiken als parallele Tradition

Es gibt hier eine zweite Geschichte, über die selten ernsthaft geschrieben wird, und es ist die, in der dieses Produkt angesiedelt ist.

Ab den späten 1970er Jahren trugen Skateboard-Decks einige der am weitesten verbreiteten Grafiken des späten zwanzigsten Jahrhunderts. Die Ökonomie machte es unvermeidlich: Ein Deck ist ein Verbrauchsgut. Es verschleißt, bricht, wird ersetzt. Unternehmen konkurrierten mit Grafiken, weil die Grafik das Einzige war, was ein Stück gepresstes Ahorn von einem anderen unterschied, und weil das Publikum jung, visuell gebildet war und ständig die Unterseite der Boards betrachtete.

Die Ergebnisse waren ungewöhnlich frei. Es gab keine Galerie zu befriedigen, kein Kundenkomitee und eine Kundenbasis, die das Außergewöhnliche belohnte. Jim Phillips' Screaming Hand, 1985 für Santa Cruz gezeichnet, ist eines der meistreproduzierten grafischen Bilder seiner Zeit. Vernon Courtlandt Johnsons Arbeit für Powell Peralta in den frühen 1980er Jahren brachte Schädel, Skelette und heraldische Zeichen Jahre bevor dieses Vokabular das Mainstream-Design erreichte, in Umlauf.

Zwei Merkmale dieser Tradition sind es wert, weitergeführt zu werden.

Die Form war von Anfang an eine Einschränkung. Skateboard-Künstler entwarfen immer für ein schmales, vertikales Feld mit abgerundeten Enden. Sie passten keine rechteckigen Kompositionen an – sie komponierten für das Deck. Die zeitgenössischen Designs in dieser Reihe werden auf die gleiche Weise hergestellt, weshalb sie bequemer auf der Form sitzen als jede Reproduktion eines rechteckigen Gemäldes. Unser Vergleich mit Leinwand- und gerahmten Drucken erklärt, warum dieses Verhältnis so anspruchsvoll ist.

Die Grafik wurde entworfen, um in Bewegung und aus der Ferne gesehen zu werden. Kräftige Formen, hoher Kontrast, auf einen Blick lesbar. Das funktioniert auch an einer Wand im Raum.

Wie diese Designs entstanden sind

Da dieser Blog an anderer Stelle sorgfältig mit der Herkunft umgeht – indem er darauf hinweist, dass Bruegels Turm zu Babel nie ein Triptychon war oder dass Reproduktionen nicht an Wert gewinnen –, wäre es inkonsequent, hier vage zu sein.

Diese zeitgenössischen Designs wurden im Studio mithilfe generativer KI-Tools erstellt, dann ausgewählt, korrigiert, farbverwaltet und von Hand für den Druck vorbereitet. Es handelt sich nicht um Reproduktionen bestehender Kunstwerke, sie stammen nicht von der Arbeit eines identifizierbaren lebenden Künstlers und sind nicht von Dritten lizenziert.

Manche werden dies als einen Vorteil betrachten und andere nicht, weshalb es offen gesagt und nicht erst entdeckt werden muss. Wenn Sie ein von Menschenhand gemaltes Bild wünschen, ist die Reproduktionsseite des Katalogs eine große und ernsthafte Auswahl, und die Leitfäden für die Renaissance, japanische und botanische Kunst sind der richtige Ausgangspunkt.

Was für jedes Deck gilt, unabhängig davon, wie das Bild entstanden ist: Der Druck, die Farbarbeit, das Substrat und die Veredelung sind durchweg gleich. Kanadisches Ahorn der Güteklasse A, 85 × 20 cm, hochauflösender Druck mit UV-Schutz, wie im Materialleitfaden beschrieben.

Die Muster-Decks

Drei Designs funktionieren als reines Muster und nicht als Bilder, und sie lösen ein Problem, das die Reproduktionen nicht lösen können.

Pink Banana — 140 €. Die Wiederholung eines einzelnen Alltagsgegenstandes in einer unnatürlichen Farbe ist eine so direkte Pop-Art-Bewegung, wie sie existiert: Nimm etwas aus der Obstschale, entferne seine eigentliche Farbe, wiederhole es, bis es aufhört, Frucht zu sein und zu Rhythmus wird. Muster wirken an einer Wand anders als bildliche Darstellungen – es gibt keinen Brennpunkt, sodass das Auge nicht festgehalten wird, was es auf eine Weise beruhigend macht, wie es ein starkes Bild niemals ist.

Pink Leopard — 140 €. Leopardenmuster ist eines der wenigen Dekorationsmuster, das in einem Jahrhundert nie ganz aus der Mode gekommen ist, und es von seiner natürlichen Farbpalette zu entfernen, trennt Dekoration von Imitation. In einem Raum wirkt es eher als Textur denn als Motiv.

Iridescent Fish — 140 €. Das farbabhängigste Stück der Reihe: Das gesamte Design lebt von schillernden, ölschimmernden Farben auf einer geschuppten Oberfläche. Es passt gut zu Räumen mit einer kühlen Farbpalette und möchte nicht in der Nähe von warmen Holztönen platziert werden.

Alle drei sind die am einfachsten zu platzierenden Decks im Katalog, da Muster kein Motiv tragen, das mit etwas in Konflikt geraten könnte. Wenn ein Raum bereits starke Kunstwerke hat und ein zweites Stück benötigt, das nicht konkurriert, ist dies der richtige Ort zum Suchen.

Die Statement-Decks

Drei Designs nutzen Text oder eine einzelne fesselnde Figur, um die gesamte Wirkung zu erzielen.

Fuck Typography — 140 €. Text als Bild hat eine lange Geschichte in der Kunst des 20. Jahrhunderts, vom Dadaismus über die konkrete Poesie bis hin zur Konzeptkunst der 1960er Jahre, in der der Satz das Kunstwerk ist und nicht nur eine Bildunterschrift dazu. Der Witz steckt hier im Design selbst und muss nicht erklärt werden. Es ist auch offensichtlich ein Stück, das zum Raum und zum Haushalt passen muss – ein Atelier, eine Bar, eine Werkstatt, ein privates Büro. Es ist kein Flurstück für ein Haus mit Besuchern aller Art.

Boys Tears — 140 €. Konzeptueller Pop-Art mit einer Phrase und einem Bild, die gegensätzliche Dinge tun, was der Standardmechanismus des Genres ist: Das Bild untergräbt die Worte oder die Worte untergraben das Bild, und die Lücke dazwischen ist der Inhalt.

Red Helmet Portrait — 140 €. Ein verhülltes und nicht enthülltes Gesicht. Porträtmalerei dient normalerweise dazu, eine Person zu zeigen; das Verbergen des Gesichts verwandelt das Bild stattdessen in eine Form und eine Farbe, weshalb es eher als Grafik denn als Bild einer Person gelesen wird. Kräftiges Rot auf einem schmalen vertikalen Feld ist eine der effektivsten Kombinationen in diesem Format.

Statement-Decks wollen alleine stehen. Neben anderen Werken angebracht, streiten sie sich damit; alleine an einer schmalen Wand angebracht, tun sie genau das, was sie sollen.

Neu interpretierte Klassiker und entliehene Ikonen

Vier Designs nehmen ein bestehendes Thema oder eine visuelle Tradition und behandeln sie als Rohmaterial – was, wiederum, genau das war, was Pop-Art tat.

Mädchen mit dem Perlenohrring — Delfter Blau — 140 €, und das am besten begründete Stück der Serie, denn die Verbindung ist nicht willkürlich.

Vermeer lebte und arbeitete sein ganzes Leben in Delft. Delft war zu genau dieser Zeit auch das Zentrum der europäischen blau-weißen, zinnglasierten Keramik – der Delfter Fayencen, die zur Nachahmung des importierten chinesischen Porzellans entwickelt wurden und eines der Hauptexportgüter der Stadt waren. Der Maler und die Keramik waren Produkte derselben kleinen Stadt in denselben Jahrzehnten.

Die Darstellung von Vermeers berühmtestem Gesicht in der Delfter Fayencen-Palette ist also kein grafischer Trick, der auf ein Gemälde angewendet wird. Es platziert ein Delfter Bild in der anderen Bildsprache, für die Delft berühmt war. Wenn Sie das Gemälde selbst wünschen, ist die gerade Diptychon-Version für 230 € ebenfalls im Katalog.

Heiliges Herz — Pop Art — 140 €. Das Heilige Herz ist eines der am häufigsten reproduzierten Bilder der europäischen Geschichte: ein katholisches Andachtsthema, das sich ab dem späten 17. Jahrhundert weit verbreitete und schließlich in riesigen Mengen auf Karten, Plaketten und Hausdrucken gedruckt wurde. Es gelangte als billiger Farbdruck in gewöhnliche Haushalte, was es zu einem ungewöhnlich passenden Thema für eine Pop-Behandlung macht – es war schon lange vor der Pop-Art ein massenproduziertes Bild, bevor diese Kategorie überhaupt bemerkt wurde. Unser Leitfaden für sakrale Kunst behandelt die eigentliche Andachtsreihe.

Florales Porträt — 140 €. Ein Gesicht, das aus botanischen Elementen geformt oder überwuchert ist, ein Motiv mit einer langen Geschichte in der europäischen Kunst, die bis zu den zusammengesetzten Köpfen des 16. Jahrhunderts aus Früchten und Blumen zurückreicht. Es passt natürlich zur botanischen Reihe, ohne sie zu wiederholen.

Guan Yu — 140 €. Es lohnt sich zu wissen, wer das ist. Guan Yu war ein echter General, der 220 n. Chr. während des Zusammenbruchs der Han-Dynastie starb und dessen Loyalität durch den historischen Roman Die Geschichte der Drei Reiche legendär wurde. Im Laufe der folgenden Jahrhunderte wurde er schrittweise vergöttlicht und wird heute noch als Gott verehrt, der mit Loyalität und Gerechtigkeit in Verbindung gebracht wird – mit Schreinen, die von Polizeistationen, Restaurants und Geschäften in chinesischen Gemeinden unterhalten werden. Er wird konventionell mit rotem Gesicht und langem Bart dargestellt. Ein historischer Soldat, der zu einer Hausgottheit wurde, ist ein wirklich ungewöhnliches Motiv für eine Wand.

Wohin zeitgenössische Werke gehören

Zwei Regeln speziell für diese Reihe.

Zeitgenössische Werke passen zu weißen und hellen Wänden. Wie die Reihe der frühen Moderne sind diese aus flachen Farben ohne atmosphärische Tiefe aufgebaut, sodass sie keine dunkle Wand benötigen, um Stimmung zu erzeugen. Auf Anthrazit verlieren sie ihre Helligkeit, die ihr Hauptmerkmal ist.

Muster mit allem kombinieren; Statements mit nichts kombinieren. Muster-Decks sind die kooperativsten Stücke im Katalog und passen zu fast jedem anderen Werk. Statement-Decks sind am wenigsten kooperativ und sollten eine Wand für sich allein haben.

Häufig gestellte Fragen

Sind die Designs der zeitgenössischen Deckarts Reproduktionen existierender Kunstwerke?

Nein. Im Gegensatz zur Museumsreihe, die gemeinfreie Gemälde von Künstlern reproduziert, die vor mindestens siebzig Jahren gestorben sind, sind die zeitgenössischen Decks Originalbilder. Sie sind keine Kopien bestehender Kunstwerke, stammen nicht von identifizierbaren lebenden Künstlern und sind nicht von Dritten lizenziert. Sie wurden im Studio mit generativen KI-Tools erstellt und dann von Hand ausgewählt, korrigiert, farbverwaltet und für den Druck vorbereitet. Dies wird offen dargelegt, anstatt es erst entdecken zu lassen, da einige Käufer dies als Pluspunkt betrachten werden und andere nicht. Wer ausdrücklich von Hand gefertigte Werke wünscht, sollte stattdessen die Reproduktionsreihe in Betracht ziehen, die Renaissance-, Barock-, holländische, japanische und frühmoderne Malerei umfasst.

Worum ging es bei Pop Art eigentlich?

Die These, dass die Bilderwelt des Kommerzes – Verpackungen, Werbung, Comics, Produktfotografie, Prominentenwerbung – die eigentliche visuelle Kultur des zwanzigsten Jahrhunderts war und die bildende Kunst vorgab, etwas anderes zu sein. Richard Hamiltons Collage von 1956, zusammengesetzt aus Magazinausschnitten, wird oft als Ausgangspunkt der Bewegung betrachtet und ist im Wesentlichen ein Inventar eines Konsumenteninterieurs. Drei Konsequenzen ergaben sich daraus: Die Massenreproduktion wurde nicht mehr als eine minderwertige Version eines Originals behandelt und wurde zum natürlichen Zustand moderner Bilder; kommerzielle Drucktechniken wie flache Farben, harte Umrisse und Druckpunkte wurden zu legitimen künstlerischen Techniken; und alltägliche, industriell gefertigte Gegenstände wurden zu gültigen Sujets.

Warum sind Skateboard-Grafiken als Kunst wichtig?

Weil sie ab den späten 1970er Jahren unter ungewöhnlich freien Bedingungen einige der am weitesten verbreiteten grafischen Arbeiten des späten zwanzigsten Jahrhunderts trugen. Ein Deck ist ein Verbrauchsartikel – es verschleißt, bricht und wird ersetzt – daher konkurrierten Unternehmen um Grafiken, da die Grafik das Einzige war, was ein Stück gepressten Ahorns von einem anderen unterschied. Es gab keine Galerie, die man zufriedenstellen musste, und keinen Kundenbeirat, und das Publikum belohnte die Besonderheit. Jim Phillips' Screaming Hand, 1985 für Santa Cruz gezeichnet, gehört zu den meistreproduzierten grafischen Bildern seiner Ära, und Vernon Courtlandt Johnsons Arbeiten für Powell Peralta in den frühen 1980er Jahren brachten Schädel und heraldische Zeichen in Massenverbreitung, lange bevor das Mainstream-Design sie übernahm.

Warum ist das Mädchen mit dem Perlenohrring in Delfter Blau dargestellt?

Weil Vermeer und Delfter Fayence aus derselben Stadt zur selben Zeit stammten. Vermeer lebte und arbeitete sein ganzes Leben lang in Delft, und Delft war gleichzeitig das Zentrum der europäischen blau-weißen Zinn-glasierten Keramik, die in Nachahmung des importierten chinesischen Porzellans entwickelt wurde und eine der Hauptexporte der Stadt war. Die Darstellung von Vermeers berühmtestem Gesicht in der Delfter Farbpalette ist daher keine willkürliche grafische Behandlung eines Gemäldes – sie übersetzt ein Delfter Bild in die andere visuelle Sprache, für die Delft berühmt war. Eine unveränderte Reproduktionsversion des Gemäldes ist auch als Diptychon erhältlich.

Wer ist Guan Yu?

Ein echter General, der im Jahr 220 n. Chr. während des Zusammenbruchs der Han-Dynastie starb und dessen Ruf für Loyalität durch den historischen Roman „Die Geschichte der Drei Reiche“ zur Legende wurde. Über die folgenden Jahrhunderte wurde er schrittweise vergöttert und wird immer noch als Gott verehrt, der mit Loyalität und Gerechtigkeit in Verbindung gebracht wird, mit Schreinen, die von Polizeistationen, Restaurants und Unternehmen in chinesischen Gemeinden unterhalten werden. Er wird üblicherweise mit rotem Gesicht und langem Bart dargestellt. Ein historischer Soldat, der zu einer Hausgottheit wurde, ist ein ungewöhnliches Thema für Wandkunst und trägt erheblich mehr Geschichte in sich, als die grafische Behandlung des Designs auf den ersten Blick vermuten lässt.

Welches zeitgenössische Deck lässt sich am einfachsten in einem Raum platzieren?

Die Musterdecks – Pink Banana, Pink Leopard und Iridescent Fish. Muster haben kein Thema, das mit etwas bereits im Raum vorhandenen kollidieren könnte, und da es keinen Blickpunkt gibt, wird das Auge nicht festgehalten, was es auf eine Weise entspannend macht, wie es ein starkes Bild nicht ist. Sie sind die richtige Wahl, wenn ein Raum bereits bedeutende Kunstwerke enthält und ein zweites Stück benötigt, das nicht konkurriert. Statement-Decks sind das Gegenteil: Text und Einzelfiguren kollidieren mit allem, was in ihrer Nähe hängt, und sollten eine Wand für sich allein haben. Alle Decks dieser Reihe eignen sich für weiße oder helle Wände, da die Designs aus flachen, hellen Farben bestehen und ihre Hauptqualität vor Anthrazit verlieren.

Zusammenfassung des Artikels

Neben den gemeinfreien Reproduktionen fertigt deckarts zehn originelle zeitgenössische Designs zu je 140 € an, die das Feld abdecken, das das Urheberrecht nach den 1950er Jahren ausschließt. Dies sind Originalbilder und keine Reproduktionen, die im Studio mit generativen KI-Tools erstellt und dann von Hand für den Druck vorbereitet wurden – dies wird offen gesagt, da Käufer selbst entscheiden können sollen. Pop Art basierte auf der Annahme, dass kommerzielle Bildsprache die eigentliche visuelle Kultur des Jahrhunderts war, dass Massenreproduktion keine Herabwürdigung war und dass industriell gefertigte Motive legitim waren, was sie zur natürlichen Referenz für ein bedrucktes Deck macht. Skateboard-Grafiken bilden eine parallele Tradition, ungewöhnlich frei, weil Decks Verbrauchsgüter sind, die auf Grund ihrer Kunstwerke verkauft werden, wobei Künstler von Anfang an für die schmale vertikale Form komponieren. Das Sortiment gliedert sich in Musterdecks, die die am einfachsten zu platzierenden Stücke im gesamten Katalog sind; Statement-Decks, die eine Wand für sich allein beanspruchen; und überarbeitete Klassiker, darunter ein Mädchen mit dem Perlenohrring in Delfter Blau, was kohärent ist, da Vermeer und Delfter Fayence aus derselben Stadt in denselben Jahrzehnten stammten. Zeitgenössische Werke eignen sich für weiße und helle Wände und nicht für dunkle.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von deckarts, ein Grafikdesigner und Druckspezialist, ursprünglich aus der Ukraine, jetzt in Berlin ansässig, wo er jedes Deck persönlich für den Druck vorbereitet. Folgen Sie der Arbeit auf Instagram oder unter stasarnautov.com.