Japanische Ukiyo-e Skateboard-Kunst: Hokusai, Kuniyoshi und die Tradition des Holzblocks

Zuletzt aktualisiert: Juli 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 16 Min. Lesedauer

Von allem im Katalog sind japanische Holzschnitte die Werke, die am wenigsten einer Rechtfertigung bedürfen, auf einem Skateboard zu sein.

Ukiyo-e war nie kostbar. Es handelte sich um kommerzielle Drucke, die in großen Auflagen hergestellt und in Edo billig auf der Straße an gewöhnliche Menschen verkauft wurden, die ein Bild eines Schauspielers, den sie mochten, oder eine Ansicht eines Berges haben wollten. Ein einziger Druck kostete ungefähr so viel wie eine Schüssel Nudeln. Sie wurden von Teams – einem Künstler, einem Blockstecher, einem Drucker, einem Verleger – unter Verwendung eines wiederholbaren industriellen Verfahrens hergestellt, und niemand, der daran beteiligt war, betrachtete sie als Museumsobjekte.

Zwei Jahrhunderte später hängen sie im Met und im British Museum, und ein guter Originaldruck wird für viel Geld verkauft. Aber das Werk selbst war populäre Kunst, von Handwerkern hergestellt, in großer Stückzahl gedruckt, für die Wand eines normalen Hauses bestimmt. Es auf ein massenproduziertes Holzobjekt zu setzen, das für einen normalen Menschen erschwinglich ist, ist keine Subversion dessen, was Ukiyo-e war. Es ist eine ziemlich genaue Fortsetzung davon.

Was Ukiyo-e tatsächlich ist

Ukiyo-e bedeutet grob „Bilder der fließenden Welt“. Die fließende Welt waren die Vergnügungsviertel von Edo – die Theater, die Teehäuser, die Unterhaltungsviertel – und im weiteren Sinne die ganze Idee, im vergänglichen Jetzt zu leben, anstatt sich um das nächste Leben zu kümmern. Die Drucke stellten dar, was diese Welt enthielt: Kabuki-Schauspieler, Kurtisanen, Sumoringer, Geistergeschichten und schließlich Landschaften und Reisen.

Der Herstellungsprozess ist wichtig, um zu verstehen, warum sich diese Bilder so gut auf Holz reproduzieren lassen, denn es war selbst ein Druckprozess auf Holz.

Ein Künstler lieferte eine Zeichnung. Ein Schnitzer klebte sie mit der Vorderseite nach unten auf einen Kirschholzblock und schnitt alles weg, was keine Linie war, wobei die Originalzeichnung dabei zerstört wurde. Dann wurde für jede Farbe im Bild ein separater Block geschnitzt. Ein Drucker tuschte die Blöcke nacheinander ein und presste das Papier von Hand auf jeden einzelnen, wobei er Passmarken verwendete, die in die Blöcke geschnitten waren, um jede Schicht ausgerichtet zu halten.

Drei Konsequenzen prägten die Bildsprache, und alle drei sind der Grund, warum Ukiyo-e auf einem Deck funktioniert:

• Flache Farbbereiche. Jeder Block druckt eine flache Farbe, so dass sich der Stil um saubere Felder statt um gemischte Modellierung entwickelte. Flache Farben überleben jede Reproduktion.
• Starke schwarze Umrisse. Der Schlüsselblock trug die Zeichnung, und diese Linie hält das ganze Bild zusammen. Sie bleibt in jeder Größe lesbar.
• Kühne, vereinfachte Komposition. Komplexität bedeutete mehr Blöcke und höhere Kosten, so dass die besten Designer mit minimalen Mitteln maximale Wirkung erzielten.

Dies ist das Gegenteil von, sagen wir, Leonardos Sfumato, das auf unendlich abgestuften Übergängen beruht und bei jeder Reproduktion etwas verliert. Ein Holzschnitt ist ein Design, das für den wiederholbaren Druck gebaut wurde. Die originalgetreue Reproduktion ist eine viel kleinere Aufgabe.

Hokusai: Die große Welle vor Kanagawa — 230 €

Katsushika Hokusai war ungefähr siebzig Jahre alt, als er das meistreproduzierte Bild in der Geschichte der japanischen Kunst schuf, und es war nicht als eigenständiges Meisterwerk gedacht. Die Große Welle ist ein Blatt aus den Dreiunddreißig Ansichten des Berges Fuji, einer kommerziellen Serie, die um 1831 veröffentlicht wurde, um von einem Boom im Inlandstourismus und einem populären Kult um den Berg zu profitieren.

Einige Dinge daran werden häufig missverstanden, und es lohnt sich, sie zu kennen, weil sie die Art und Weise verändern, wie man das Bild liest.

Es ist kein Tsunami. Es ist ein okinami, eine große Offshore-Welle – die Art, die Boote in der Sagami-Bucht regelmäßig bedrohte. Das Drama ist gewöhnliche Arbeitsgefahr, keine Katastrophe.

Die Boote sind Lieferfahrzeuge. Das sind oshiokuri-bune, schnelle Boote, die frischen Fisch zum Markt in Edo transportieren. In jedem sind acht Ruderer sichtbar, flach geduckt. Sie sind keine heldenhaften Figuren, die gegen das Meer kämpfen; sie sind Arbeiter, die vom Wetter erfasst werden und ihre Arbeit verrichten.

Der Berg Fuji ist das Thema. Er sitzt klein und still im Zentrum der Komposition, umrahmt von der Welle. Die ganze Serie handelt vom Fuji, und die Welle ist ein Mittel, ihn zu betrachten. Sobald man den Berg als Thema und die Welle als Rahmen sieht, ordnet sich das Bild neu.

Die Klauen sind beabsichtigt. Der Schaum bricht in fingerähnliche Formen, die sich zu den Booten hinunterstrecken – eine Stilisierung, keine Beobachtung, und der Grund, warum das Bild bedrohlich statt nur groß wirkt.

Hokusai signierte es als „Hokusai, seinen Namen zu Iitsu ändernd“ – er benutzte über dreißig Namen im Laufe seiner Karriere, änderte sie an Punkten künstlerischer Neuerfindung. Er schrieb spät im Leben, dass nichts, was er vor siebzig produziert hatte, von Wert sei, und dass, wenn er hundertzehn Jahre alt werden könnte, jeder Punkt und jede Linie lebendig sein würde. Er starb mit neunundachtzig Jahren und bat Berichten zufolge um fünf weitere Jahre.

Die Berliner Blaue Verbindung

Es gibt hier ein Detail, das für eine Firma, die in Berlin druckt, wirklich erfreulich ist.

Das tiefe Blau, das die Große Welle ausmacht, war kein traditionelles japanisches Pigment. Es ist Preußisch Blau, das erste moderne synthetische Pigment, das um 1706 in Berlin entdeckt wurde. Japanische Künstler kannten es als bero-ai – eine Verkürzung von „Berliner Indigo“ – und es gelangte über holländische Händler in Nagasaki nach Japan, einer der wenigen Kanäle, die während Japans Zeit der geschlossenen Grenzen offen waren.

Traditionelle japanische Blautöne stammten aus Indigo und Ackerwinde, und beide verblassten stark. Preußisch Blau hingegen nicht. Es war intensiv, stabil und behielt seine Tiefe über Jahrzehnte. Als es in den späten 1820er Jahren erschwinglich wurde, griffen die Druckereien danach, und es folgte eine ganze Mode für blau dominierende Drucke.

Die Große Welle steht genau am Anfang dieses Moments. Ihre Blautöne waren im wahrsten Sinne des Wortes eine neue Technologie – ein importiertes industrielles Pigment aus Berlin, das veränderte, was japanische Druckereien leisten konnten. Zwei Jahrhunderte später wird das Bild in Berlin mit einer anderen neuen Technologie auf kanadisches Ahorn gedruckt. Wir haben diese Symmetrie nicht geplant, aber wir werden auch nicht so tun, als ob sie uns missfällt.

Es erklärt auch, warum das Stück so einfach in ein modernes Interieur zu integrieren ist: Dieses Preußischblau ist eine kühle, tiefe, stabile Farbe, die gut zu Grau, Beton, Weiß und hellem Holz passt. Unser Deko-Leitfaden behandelt die Farbpalette im Detail.

Utagawa Kuniyoshi: Samurai und Kabuki

Wenn Hokusai der Meister der Landschaft ist, ist Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) derjenige, der die lauten, dichten, dramatischen Drucke schuf – Krieger inmitten des Kampfes, Monster, Geister, tätowierte Helden. Er ist der Ukiyo-e-Künstler, dessen Einfluss man am direktesten in modernen Manga, Tattoo-Arbeiten und Skate-Grafiken sehen kann.

Kuniyoshi Samurai — 140 €. Kuniyoshis Kriegerbilder, musha-e, begründeten seinen Ruf. Seine bahnbrechende Serie stellte die 108 Helden eines chinesischen Outlaw-Romans dar, jeder als schwer tätowierter Kämpfer in gewaltsamer Bewegung. Die Serie war ein kommerzieller Erfolg und löste Berichten zufolge eine Mode für Tätowierungen in Edo aus. Die Figuren werden typischerweise auf dem Höhepunkt einer Aktion gezeigt, mit Stoff und Haaren, die Muster bilden, die das ganze Blatt ausfüllen.

Kuniyoshi Kabuki-Schauspieler-Diptychon — 230 €. Schauspieler-Drucke, yakusha-e, waren die Prominenten-Fotografie von Edo: Fans kauften Bilder ihrer Lieblings-Kabuki-Darsteller in berühmten Rollen, in Auflagen, die groß genug waren, um wirklich populäre Medien zu sein.

Dazu gibt es eine gute Geschichte. In den 1840er Jahren verboten die Tenpō-Reformen Drucke von Schauspielern und Kurtisanen als moralisch verderbliche Luxusgüter. Kuniyoshis Antwort war, sie weiterhin verkleidet anzufertigen – Schauspieler, die als Tiere, als Goldfische, als historische Figuren, als skizzenhafte Graffiti dargestellt wurden –, so dass jeder den Darsteller erkannte, während der Druck technisch etwas anderes darstellte. Es ist eine geradlinig punkige Antwort auf die Zensur von 1843, und es ist ein Grund, warum sein Werk heute noch so zeitgenössisch wirkt.

Sakura und Koi: die Motivstücke

Zwei Stücke im Sortiment arbeiten eher mit Motiven als mit einem namentlich genannten historischen Druck, und beide tragen Bedeutungen in sich, die man kennen sollte, bevor man sie aufhängt.

Sakura Bloom Diptychon — 230 €. Kirschblüten in der japanischen Kunst sind nie nur dekorativ. Sie tragen mono no aware, das Bewusstsein der Vergänglichkeit und die damit verbundene sanfte Traurigkeit. Die Blüte ist gerade deshalb wichtig, weil sie nur etwa eine Woche hält: die jährliche Praxis des hanami, das Sitzen unter den Bäumen während ihrer Blüte, ist eine geplante Begegnung mit der Vergänglichkeit.

Praktisch gesehen ist dies das ruhigeste Stück im japanischen Sortiment und am einfachsten zu handhaben. Zarte Rosa- und Weißtöne auf einem sanften Hintergrund, kein starker Blickfang, der Aufmerksamkeit fordert, nichts, was ein Schlafzimmer stören würde. Wenn Mandelblüte die westliche Wahl für ein erholsames Zimmer ist, ist Sakura ihr direktes Gegenstück – und die beiden sind nicht unrelated, da Van Gogh unter starkem japanischen Einfluss stand, als er Blüten vor blauem Himmel malte.

Koi-Fisch-Wellen — 140 €. Koi haben eher eine spezifische als eine allgemeine Bedeutung: Ausdauer trotz Schwierigkeiten. Dies rührt von der chinesischen Legende des Drachentors her, in der ein Karpfen, der erfolgreich einen Wasserfall hinaufschwimmt, in einen Drachen verwandelt wird. Der Fisch wurde zu einem Standardsymbol der Entschlossenheit, und in Japan tragen die am Kinderfest gehissten Karpfenbanner genau diesen Wunsch.

Das macht es zu einem der wenigen Stücke im gesamten Katalog, das sich wirklich gut als Geschenk für jemanden eignet, der etwas Schwieriges beginnt – ein neues Geschäft, ein Studium, eine Genesung. Unser Geschenkführer behandelt die Anpassung des Werks an den Anlass umfassender.

Warum das Diptychon-Format historisch korrekt ist

Das ist der Teil, der das japanische Sortiment besser zum Medium passt als jede andere Kategorie, die wir drucken, und es ist keine Marketingaussage – so wurden diese Drucke tatsächlich veröffentlicht.

Ukiyo-e wurde in Standardpapierformaten hergestellt, wobei ōban mit ungefähr 39 × 26 cm am gebräuchlichsten war. Wenn ein Designer eine breitere Komposition wünschte, war die Antwort kein größeres Blatt. Es waren zwei oder drei ōban-Blätter, die als ein einziges durchgehendes Bild entworfen wurden, separat gedruckt und zusammen ausgestellt. Diptychen und Triptychen waren ein gewöhnlicher Bestandteil des Formatvokabulars, insbesondere für Schlachtszenen, Theaterpanoramen und Landschaften, die Breite benötigten.

Das bedeutet, dass ein japanischer Druck, der sich über zwei Paneele mit einer Lücke dazwischen erstreckt, kein Kompromiss ist, der durch die Deckform erzwungen wird. Es ist die Anordnung, die die Tradition bereits aus dem gleichen Grund verwendete: Das Bild sollte breiter sein als ein Blatt.

Das Ausrichtungsproblem ist ebenfalls dasselbe. Ein Ukiyo-e-Triptychon erforderte, dass jedes Blatt so gedruckt wurde, dass sich die Linien korrekt über die Verbindung fortsetzten, wobei Passmarken namens kentō verwendet wurden, die in jeden Block geschnitten waren. Ein Deck-Diptychon erfordert die gleiche Disziplin in der Druckdatei, und es hängt mit einem festen 5 cm Abstand aus dem gleichen Grund – das Bild ist um diesen Abstand herum entworfen. Ändert man ihn, dehnt sich die Komposition. Unser Größenleitfaden behandelt die Maße: Ein Diptychon ist 171 cm breit, was zu einem Standard-Dreisitzer-Sofa oder einem Kingsize-Bett passt.

Welches Zimmer, welches Stück

Zwei Hinweise zur Platzierung. Die Große Welle ist das am leichtesten platzierbare Stück, das wir verkaufen. Ihre Palette ist kühl und begrenzt, ihre Komposition ist ausgewogen, und sie trägt genug kulturelles Gewicht, um in einem professionellen Umfeld zu wirken, ohne wie ein Statement auszusehen. Wenn Sie ein Stück wollen, das mit nichts kollidiert, dann ist es dieses.

Kuniyoshi braucht Raum, um laut zu sein. Die Krieger- und Schauspieler-Drucke sind dicht, kontrastreich und voller Bewegung. In einem minimalistischen, hellen Raum dominieren sie alles; an einer dunklen Wand, unverputzten Ziegeln oder in einem Durchgangsflur sind sie hervorragend.

Die japanische Kollektion passt auch zum Einrichtungsstil, der manchmal als Japandi bezeichnet wird – die Überlappung japanischer Zurückhaltung und skandinavischen, hellholzigen Minimalismus. Hier ist die natürliche Ahornkante des Decks nicht mehr nur zufällig, sondern ein Grund, warum es funktioniert: Die freiliegende Holzmaserung und der Druck gehören zur gleichen visuellen Logik.

Urheberrecht und Gemeinfreiheit

Hokusai starb 1849 und Kuniyoshi 1861. Das Urheberrecht an einem künstlerischen Werk gilt im Allgemeinen für die Lebenszeit des Autors zuzüglich 70 Jahren in der EU und im Vereinigten Königreich, so dass diese Werke bereits lange vor der Existenz des modernen Urheberrechts gemeinfrei waren. Die Reproduktion, der Druck und der Verkauf von Reproduktionen erfordern keine Genehmigung und keine Lizenzgebühren – die gleiche Grundlage, auf der das British Museum und das Met Drucke aus ihren eigenen Ukiyo-e-Beständen verkaufen.

Zwei Einschränkungen, dieselben, die für unser klassisches Sortiment gelten. Eine moderne Fotografie eines Originaldrucks kann ihr eigenes Urheberrecht tragen, wenn der Fotograf originelle kreative Entscheidungen getroffen hat, und museale Namen und Logos bleiben Warenzeichen, unabhängig vom Alter des Werks. Wir erstellen unsere eigenen Reproduktionsdateien und verwenden keine musealen Markenzeichen.

Die Sakura- und Koi-Stücke sind wiederum ein anderer Fall: Es handelt sich um Motivwerke im japanischen Stil und nicht um Reproduktionen spezifischer historischer Drucke, sodass keine Zuordnungsfrage entsteht.

Und die Regel gilt auch in die andere Richtung. Japanische Druckgrafiker des zwanzigsten Jahrhunderts – die Bewegungen Shin-hanga und Sōsaku-hanga – sind häufig noch urheberrechtlich geschützt, und wir drucken sie nicht, egal wie groß die Nachfrage nach diesen Werken ist.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Ukiyo-e?

Ukiyo-e lässt sich grob übersetzen als „Bilder der fließenden Welt“, wobei die fließende Welt die Vergnügungsviertel von Edo – Theater, Teehäuser und Unterhaltungsviertel – und im weiteren Sinne die Vorstellung des Lebens im flüchtigen Augenblick bezeichnet. Es bezieht sich auf japanische Holzschnitte, die hauptsächlich zwischen dem 17. und 19. Jahrhundert entstanden sind und Kabuki-Schauspieler, Kurtisanen, Sumoringer, Geistergeschichten, Landschaften und Reisen darstellen. Sie wurden gemeinschaftlich von einem Künstler, einem Blockstecher, einem Drucker und einem Verleger in großen kommerziellen Auflagen hergestellt, die günstig an gewöhnliche Menschen verkauft wurden. Ein einzelner Druck kostete ungefähr so viel wie eine Schüssel Nudeln. Die visuelle Sprache – flache Farbflächen, starke schwarze Umrisse und eine kühne, vereinfachte Komposition – entwickelte sich direkt aus den Einschränkungen, für jede Farbe einen separaten Block zu schnitzen.

Ist Die große Welle vor Kanagawa ein Tsunami?

Nein. Es stellt eine Okinami dar, eine große küstennahe Welle der Art, die Boote in der Sagami-Bucht regelmäßig bedrohte, und keinen Tsunami. Die Boote sind Oshiokuri-bune, schnelle Schiffe, die frischen Fisch zum Markt in Edo brachten, jedes mit etwa acht Ruderern, die flach an den Rumpf geduckt waren. Es sind Arbeiter, die vom Wetter überrascht werden, und keine Heldenfiguren, die gegen das Meer kämpfen. Es ist auch erwähnenswert, dass der Berg Fuji, klein und still in der Mitte der Komposition, das eigentliche Thema ist: Der Druck ist ein Blatt aus Hokusais Serie „36 Ansichten des Berges Fuji“, die um 1831 veröffentlicht wurde, und die Welle dient als Rahmen für den Berg. Die klauenartigen Formen im Schaum sind eine bewusste Stilisierung und keine Beobachtung.

Warum ist die Große Welle blau?

Das tiefe Blau ist Preußischblau, das erste moderne synthetische Pigment, das um 1706 in Berlin entdeckt und japanischen Künstlern als Bero-ai, eine Verkürzung von „Berliner Indigo“, bekannt war. Es gelangte durch niederländische Händler in Nagasaki nach Japan, einer der wenigen Kanäle, die während der Zeit der geschlossenen Grenzen geöffnet waren. Traditionelle japanische Blautöne stammten von Indigo und Himmelsblume und verblassten beide stark, während Preußischblau intensiv und stabil war und seine Tiefe über Jahrzehnte behielt. Als es Ende der 1820er Jahre erschwinglich wurde, nahmen Druckgrafiker es schnell an, und eine Mode für blau-dominante Drucke folgte. Die Große Welle steht am Anfang dieses Moments, was bedeutet, dass ihre Farbe zum Zeitpunkt ihrer Entstehung praktisch eine neue importierte Technologie war.

Wurden japanische Holzschnitte als Diptycha und Triptycha angefertigt?

Ja, routinemäßig. Ukiyo-e wurde in Standardpapierformaten hergestellt, am häufigsten ōban mit etwa 39 × 26 cm. Wenn ein Designer eine breitere Komposition wünschte, war die Lösung kein größeres Blatt, sondern zwei oder drei ōban-Blätter, die als ein durchgehendes Bild gestaltet, separat gedruckt und zusammen ausgestellt wurden. Diptycha und Triptycha waren ein gewöhnlicher Bestandteil des Formatvokabulars, insbesondere für Schlachtszenen, Theaterpanoramen und weite Landschaften. Die Ausrichtung über die Fuge hinweg wurde mit Passmarken, den sogenannten kentō, geregelt, die in jeden Block geschnitten wurden. Deshalb ist ein japanischer Druck, der sich über zwei Deckplatten erstreckt, historisch angemessen und kein Kompromiss: Die Tradition verwendete aus genau diesem Grund bereits genau diese Anordnung.

Wer war Utagawa Kuniyoshi?

Utagawa Kuniyoshi (1797–1861) war der Ukiyo-e-Künstler, der für dichte, dramatische Drucke von Kriegern, Monstern, Geistern und Kabuki-Schauspielern bekannt war, und sein Einfluss ist in modernen Manga, Tattoo-Arbeiten und Skate-Grafiken sichtbar. Sein Durchbruch war eine Serie, die die 108 Helden eines chinesischen Räuberromans als stark tätowierte Kämpfer in heftiger Bewegung darstellte, was Berichten zufolge eine Mode für Tätowierungen in Edo auslöste. Als die Tenpō-Reformen der 1840er Jahre Drucke von Schauspielern und Kurtisanen als moralisch verderblich verboten, stellte Kuniyoshi sie weiterhin getarnt her – Schauspieler, die als Tiere, Goldfische, historische Figuren oder grobe Graffitis dargestellt wurden – so dass das Publikum den Darsteller erkannte, während der Druck technisch etwas anderes zeigte.

Was bedeutet Kirschblüte in der japanischen Kunst?

Die Kirschblüte trägt Mono no aware in sich, das Bewusstsein der Vergänglichkeit und die damit verbundene sanfte Traurigkeit. Die Blüte ist gerade deshalb bedeutsam, weil sie etwa eine Woche lang blüht, und die jährliche Praxis des Hanami – das Sitzen unter den Bäumen während der Blüte – ist eine geplante Begegnung mit der Vergänglichkeit. Sie ist in der japanischen Kunst niemals rein dekorativ. Praktisch gehören Sakura-Stücke zu den ruhigsten für Innenräume: zarte Rosatöne und Weißtöne auf einem weichen Hintergrund, ohne einen starken Blickpunkt, der Aufmerksamkeit erfordert, was sie gut für Schlafzimmer und ruhige Räume geeignet macht, in denen ein kontrastreiches Bild unruhig wirken würde.

Zusammenfassung des Artikels

deckarts druckt japanisches Ukiyo-e auf A-Grade kanadischen Ahorn, wobei Einzelskateboards 85 × 20 cm für 140 € und Diptycha 171 cm für 230 € kosten. Das Sortiment umfasst Hokusais Große Welle vor Kanagawa, Utagawa Kuniyoshis Samurai- und Kabuki-Schauspielerdrucke sowie Sakura- und Koi-Motivstücke. Ukiyo-e eignet sich aus zwei Gründen für das Format. Erstens war es erschwingliche, massenproduzierte Volkskunst und keine Elitemalerei – günstig auf den Straßen Edos verkauft –, so dass die Reproduktion auf einem preiswerten Holzobjekt fortsetzt und nicht untergräbt, was es war. Zweitens wurde Ukiyo-e routinemäßig als Diptycha und Triptycha veröffentlicht, wobei mehrere Blätter in Standardgröße als ein durchgehendes Bild gestaltet und mit Passmarken ausgerichtet wurden, was genau der Funktionsweise eines mehrteiligen Deck-Sets entspricht. Die Große Welle stellt eine küstennahe Welle und keinen Tsunami dar, mit dem Berg Fuji als wahrem Motiv, und ihr berühmtes Blau ist Preußischblau, das aus Berlin importiert und in Japan als Bero-ai bekannt ist. Flache Farben und starke Konturen bedeuten, dass diese Drucke die Reproduktion besser überstehen als fast jedes westliche Gemälde. Alle Künstler im Sortiment starben im neunzehnten Jahrhundert, daher ist das Werk gemeinfrei.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von deckarts, ein ursprünglich aus der Ukraine stammender Grafikdesigner und Druckspezialist, der jetzt in Berlin lebt, wo er jedes Deck persönlich entwirft und vorbereitet. Verfolgen Sie die Arbeit auf Instagram oder unter stasarnautov.com.