Renaissance- und Klassische Kunst Skateboard Decks: Der Komplette Leitfaden

Zuletzt aktualisiert: Juli 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 17 Min. Lesezeit

Es gibt einen Einwand, dem man sich direkt stellen sollte: Die Mona Lisa auf ein Skateboard zu setzen, klingt, als sollte es ein Witz sein.

Außer dass Caravaggio seine Medusa auf einen konvexen Holzschild malte. Nicht auf eine Leinwand – ein Stück Paradeharnisch, ein funktionales Objekt, das vor dem Gemälde existierte. Es hängt heute in den Uffizien, und niemand hält es für ein geringeres Werk, weil es auf einem Schild gemalt wurde.

Das ist das ehrliche Vorbild für das, was wir tun. Renaissance- und Barockmaler arbeiteten auf allem, was der Auftrag erforderte: Holztafeln, Putzwände, Decken, Möbel, Schilde. Die Konvention der Leinwand im Rahmen kam später und verfestigte sich zu der Annahme, dass ernsthafte Kunst in einem Rechteck an der Wand lebt. Ein Skateboard-Deck ist einfach eine weitere geformte Holzunterlage, und die Frage ist nicht, ob es legitim ist, sondern ob ein bestimmtes Gemälde die Übersetzung überlebt.

Dieser Leitfaden behandelt die klassische Auswahl in unserem Katalog: welche Werke wir drucken, was jedes Gemälde tatsächlich ist, welche zum Deckformat passen und welche nicht, sowie die praktischen Fragen zu Legalität, Größe und Platzierung.

Welche klassischen Gemälde zu einem Deck passen und welche nicht

Ein Deck ist etwa 85 × 20 cm groß – ein hohes, schmales Rechteck im Verhältnis über 4:1. Die meisten Renaissance-Gemälde haben dieses Verhältnis bei Weitem nicht, daher ist die ehrliche Antwort, dass einige Werke wunderbar übertragen werden können und andere eine Entscheidung erfordern.

Porträts funktionieren am besten, und das ist kein Zufall. Die Porträtmalerei der Renaissance ist um eine vertikale menschliche Figur herum aufgebaut, meist Kopf und Schultern oder als Halbfigur, wobei die Komposition auf einer zentralen vertikalen Achse organisiert ist. Das ist genau die Geometrie des Decks. Die Mona Lisa, die Dame mit dem Hermelin, Salvator Mundi und Vermeers Milchmädchen passen natürlich in das Format, weil das Gemälde bereits um eine stehende oder sitzende Figur herum organisiert war.

Breite narrative Szenen sind der schwierige Fall. Das Letzte Abendmahl ist 4,6 Meter breit und auf einer horizontalen Linie von dreizehn Figuren aufgebaut. Es in ein vertikales 4:1 zu quetschen, würde es zerstören. Wird es stattdessen als beschnittenes Detail präsentiert – die zentrale Gruppe, die auf Christi Kopf zulaufende Geometrie –, bleibt es zusammen, weil Leonardo die Komposition ursprünglich um diesen einzigen Fluchtpunkt herum aufgebaut hat. Der Beschnitt ist der Struktur gegenüber ehrlich.

Decken- und Freskenwerke sind eine eigene Kategorie. Die Erschaffung Adams ist ein Fragment eines wesentlich größeren Deckenprogramms und zirkuliert bereits als Detail – die beiden Hände, die greifende Geste. Es wurde effektiv schon lange vor der Veröffentlichung auf einem Deck von der Populärkultur beschnitten.

Die allgemeine Regel, die wir anwenden: Wenn ein Beschnitt die kompositorische Logik des Malers bewahrt, ist er legitim. Wenn ein Beschnitt nur ein wiedererkennbares Fragment bewahrt, während er die Struktur verwirft, ist es Dekoration, die einen berühmten Namen trägt. Wir versuchen, auf der richtigen Seite dieser Linie zu bleiben, und es ist vernünftig, uns danach zu beurteilen.

Leonardo da Vinci: sechs Werke – je 140 €

Leonardo hinterließ weniger als zwanzig vollendete Gemälde, was es etwas absurd erscheinen lässt, dass sechs davon in unserem Katalog sind. Hier ist, was jedes einzelne tatsächlich ist.

Mona Lisa – begonnen um 1503, Öl auf Pappelholz, 77 × 53 cm, im Louvre. Zwei Dinge, die Menschen selten wahrnehmen: Sie ist klein, und sie ist auf Holz gemalt, nicht auf Leinwand. Die Kraft des Porträts kommt vom Sfumato, Leonardos Technik, Formen durch Dutzende nahezu transparenter Glasurschichten aufzubauen, sodass keine Kante jemals hart ist. Das ist auch der Grund, warum sie sich ungleichmäßig reproduziert – der Effekt hängt eher von Übergängen als von Linien ab, und ein schlechter Druck flacht sie zu einem beigefarbenen Fleck ab.

Dame mit dem Hermelin – um 1489–91, Czartoryski-Museum, Krakau. Die Dargestellte ist Cecilia Gallerani, jugendliche Geliebte von Ludovico Sforza, Herzog von Mailand. Das Hermelin ist ein dreifaches Wortspiel: ein Symbol der Reinheit, eine anspielende Referenz an das griechische galé für den Nachnamen der Dargestellten und Sforzas eigenes persönliches Emblem. Es ist in einer spezifischen Hinsicht ein besseres Gemälde als die Mona Lisa – die Drehung des Kopfes und die Spannung in der Hand verleihen ihm eine Lebendigkeit, die das Louvre-Porträt bewusst zurückhält. Für ein vertikales Deck ist es wohl das stärkste Leonardo-Werk, das wir drucken.

Salvator Mundi – das teuerste jemals verkaufte Gemälde, für 450,3 Millionen Dollar bei Christie's im November 2017. Es ist auch das umstrittenste: Wissenschaftler streiten darüber, wie viel davon Leonardos eigene Hand und wie viel seine Werkstatt ist, das Gemälde wurde stark restauriert, und sein aktueller Verbleib wurde seit dem Verkauf nicht öffentlich bestätigt. Wir drucken es, weil es ein wirklich fesselndes Bild ist, und die Geschichte um es herum ist ein Grund, warum Menschen es wollen – aber es wäre unehrlich, seine Zuschreibung als geklärt zu bezeichnen.

Das Letzte Abendmahl – 1495–98, an der Refektoriumswand von Santa Maria delle Grazie in Mailand. Leonardo weigerte sich, echtes Fresko zu verwenden, das Schnelligkeit erfordert, und experimentierte stattdessen mit Tempera auf trockenem Putz, damit er langsam arbeiten und überarbeiten konnte. Das Experiment scheiterte: Die Farbe begann schon zu seinen Lebzeiten abzublättern, und das, was überlebt, ist das Ergebnis jahrhundertelanger Restaurierung. Als Deck funktioniert es als beschnittenes zentrales Detail und nicht über die gesamte 4,6 Meter Breite.

Die Verkündigung – um 1472–76, Uffizien, und wahrscheinlich sein frühestes erhaltenes Hauptwerk, gemalt in seinen frühen Zwanzigern, noch in Verrocchios Werkstatt. Die Flügel des Engels wurden nach tatsächlichen Vögeln studiert. Es enthält auch einen berühmten Perspektivfehler im rechten Arm der Jungfrau, der entweder ein Fehler eines Lehrlings oder eine bewusste Korrektur für die Betrachtung der Tafel von der Seite ist, je nachdem, welchen Wissenschaftler man fragt.

Benois Madonna – um 1478, Eremitage, St. Petersburg. Ein frühes Werk und ein ungewöhnlich informelles: Die Jungfrau ist ein junges Mädchen, das mit einem Baby spielt, statt einer thronenden Ikone, und sie ist mitten im Lächeln eingefangen. Es verschwand für Jahrhunderte und tauchte im neunzehnten Jahrhundert in einer russischen Privatsammlung wieder auf, woher der Name stammt.

Michelangelo – je 140 €

Die Erschaffung Adams – gemalt 1508–12 als eine Tafel der Decke der Sixtinischen Kapelle. Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer und nahm den Auftrag widerwillig an, wobei er vier Jahre lang von einem Gerüst aus arbeitete unter Bedingungen, über die er sich in Briefen und in einem erhaltenen Gedicht über die körperliche Belastung bitter beklagte.

Das wissenswerte Detail: Die rote Draperie, die Gott und die Figuren darin umgibt, bildet eine Form, die Anatomiker als eng entsprechend einem Querschnitt des menschlichen Gehirns, komplett mit den Sulci und dem Hirnstamm, identifiziert haben. Michelangelo sezierte als junger Mann Leichen und kannte die menschliche Anatomie intim. Ob die Ähnlichkeit beabsichtigt ist, bleibt wirklich ungeklärt, aber die Beobachtung ist in der Literatur inzwischen gut etabliert und kein Internet-Folklore-Stück.

David – 1501–04, Marmor, 5,17 Meter, Galleria dell'Accademia in Florenz. Michelangelo schnitzte ihn aus einem Block, den zwei frühere Bildhauer als unbrauchbar aufgegeben hatten. Die Proportionen sind bewusst verzerrt – Kopf und rechte Hand sind überdimensioniert –, da die Statue ursprünglich für eine Dachlinie des Florentiner Doms bestimmt war und scharf von unten gesehen werden sollte. Sie wurde stattdessen auf Bodenhöhe platziert, weshalb die Hände aus der Nähe so überraschend wirken.

Für ein Deck ist David die natürliche Wahl in diesem gesamten Katalog: eine hohe, schmale, einzelne vertikale Figur. Format und Motiv haben die gleiche Form.

Botticelli und das Venus-Problem

Botticellis Geburt der Venus – um 1485, Tempera auf Leinwand, Uffizien. Gemalt für den Medici-Kreis zu einer Zeit, als Florenz die klassische Mythologie wiederentdeckte, war es eines der ersten großformatigen nicht-religiösen Gemälde der Renaissance, das ein heidnisches Thema ernsthaft behandelte.

Botticellis Venus ist anatomisch nicht plausibel und sollte es auch nie sein – der Hals ist zu lang, die linke Schulter fällt unmöglich ab, die Figur schwebt eher, als dass sie steht. Er malte eine Vorstellung von göttlicher Schönheit, die von der klassischen Skulptur geerbt wurde, nicht eine Frau. Diese Stilisierung ist genau der Grund, warum das Bild die Reproduktion so gut übersteht: Es ist aus klaren Konturen und flachen Farben aufgebaut und nicht aus modelliertem Licht.

Ein Hinweis zum Katalog, da er Verwirrung stiftet. Wir führen zwei Geburt der Venus Decks von verschiedenen Malern. Botticellis ist das Renaissance-Original von 1485. Bouguereaus ist ein akademisches Gemälde von 1879, das sich heute im Musée d'Orsay befindet – eine bewusste Hommage des neunzehnten Jahrhunderts an dasselbe Thema, viel polierter und fotografisch modelliert. Es sind unterschiedliche Werke, die vier Jahrhunderte trennen, und welches Sie bevorzugen, sagt etwas darüber aus, ob Sie die Stilisierung der Renaissance oder den akademischen Realismus mögen. Keines ist das „falsche“.

Caravaggio: der Schild-Präzedenzfall

Medusa – 1597, Uffizien, und das Gemälde, das für diese gesamte Kategorie spricht. Caravaggio malte es in Öl auf eine Leinwand, die über einen konvexen Holzschild gespannt war, ein Stück zeremonielle Paradeharnisch, das als Geschenk für den Großherzog der Toskana in Auftrag gegeben wurde. Die Unterlage war gewölbt und funktional; das Gemälde musste auf einem Objekt funktionieren, das bereits einen Zweck hatte.

Die Komposition nutzt das aus. Die Konvexität lässt den abgetrennten Kopf nach außen ragen, und die Perspektive ist für eine gekrümmte Oberfläche berechnet. Caravaggio gab der Medusa auch sein eigenes Gesicht und malte den Moment nach der Enthauptung, wobei der Ausdruck immer noch Schock widerzuspiegeln scheint – die Augen weit geöffnet, der Mund offen, die Schlangen immer noch windend. Es ist eines der frühesten Gemälde, das einen Sekundenbruchteil anstatt einer Szene darstellt.

Wer meint, dass bildende Kunst nur in Rahmen gehört, sollte sich der Tatsache stellen, dass eines der am häufigsten reproduzierten Werke der Uffizien ein Gemälde auf einem Schild ist.

Johannes der Täufer – Caravaggio malte das Sujet wiederholt in seiner Karriere, in Versionen, die heute in Rom, Kansas City und Toledo verbreitet sind. Was sie verbindet, ist seine Weigerung zu idealisieren: Er verwendete Straßenmodelle, hielt die Beleuchtung brutal gerichtet und malte Heilige, die wie Menschen aussahen, die ein hartes Leben geführt hatten. Dieses Tenebrismus – tiefer Schatten mit einer einzigen schrägen Lichtquelle – ist es, was Caravaggio auf Holz so stark reproduziert. Hoher Kontrast überlebt alles.

Vermeer

Das Milchmädchen – um 1658–61, Rijksmuseum, Amsterdam. Vermeer hinterließ nur etwa 34 bekannte Gemälde, und dieses gehört zu den stillsten und radikalsten: Eine Küchenmagd, die nichts von Bedeutung tut, erhält das kompositorische Gewicht und die Ernsthaftigkeit, die sein Jahrhundert Heiligen und Aristokraten vorbehalten hatte.

Das technische Detail, das die Leute bemerken, ohne es zu benennen, ist das Licht. Vermeer baute die Brotkruste und den Rand des Krugs aus kleinen Tupfen dicker, hellerer Farbe – Pointillé –, die tatsächlich Licht einfangen und als Glanz wirken. Es ist das, was der Malerei seiner Zeit am nächsten an fotografischer Optik kommt, und es gibt eine lang anhaltende Diskussion darüber, ob Vermeer eine Camera obscura verwendete, um dies zu erreichen.

Für die Platzierung ist das Milchmädchen das ruhigste Werk im klassischen Bereich. Seine Palette aus Blau, Gelbocker und warmem Weiß passt bequem in eine Küche oder ein Esszimmer, was auch passenderweise der Raum ist, den es darstellt.

Welches klassische Deck für welches Zimmer

Zwei Platzierungshinweise, die speziell für diese Kategorie gelten. Gesichter, die direkt nach außen blicken, gehören in Räume, die man durchquert, nicht in Räume, in denen man sich ausruht – die Mona Lisa über einem Bett ist eine Entscheidung, die die meisten Leute bereuen. Und Caravaggios Dunkelheit benötigt entweder eine dunkle Wand, an der sie angebracht wird, oder eine gute gerichtete Beleuchtung; in einem hellen, gleichmäßig ausgeleuchteten weißen Raum wirken die Schatten eher wie ein schlammiger Fleck als dramatisch.

Was die Größe betrifft, so handelt es sich bei allen Decks um Einzeldecks im Format 85 × 20 cm, die sich für schmale Wände, Flure, über einem Schreibtisch oder neben einer Tür eignen. Wenn Sie eine Sofawand füllen möchten, benötigen Sie etwa zwei Drittel der Möbelbreite, was ein Triptychon bedeutet – unser Raum-für-Raum-Einrichtungsführer erklärt die Berechnungen. Hinweise zur Aufhängehöhe und Befestigung finden Sie in der Montageanleitung.

Klassische Decks lassen sich auch gut in Dreiergruppen kombinieren, da sie eine gemeinsame Farbpalette und Epoche teilen. Drei Porträts in einer Reihe mit einem gleichmäßigen Abstand von 5–8 cm wirken wie eine bewusste Sammlung und nicht wie drei separate Bilder. Dies ist schwieriger zu erreichen, wenn man Van Gogh mit Klimt mischt, wo die Farbpaletten kollidieren.

Urheberrecht und Gemeinfreiheit

Jeder Künstler in diesem Leitfaden ist vor Jahrhunderten gestorben: Leonardo 1519, Botticelli 1510, Michelangelo 1564, Caravaggio 1610, Vermeer 1675, Bouguereau 1905. Das Urheberrecht an einem künstlerischen Werk gilt im Allgemeinen für die Lebenszeit des Urhebers plus 70 Jahre in der EU und im Vereinigten Königreich, sodass alle diese Werke vor langer Zeit in die Public Domain (Gemeinfreiheit) gelangt sind. Das Reproduzieren, Drucken und Verkaufen von Reproduktionen erfordert keine Genehmigung und keine Lizenzgebühren – auf derselben Grundlage verkaufen die Uffizien und der Louvre Drucke ihrer eigenen Sammlungen.

Zwei Dinge bleiben geschützt. Eine moderne Fotografie eines Gemäldes kann ihr eigenes Urheberrecht tragen, wenn der Fotograf originelle kreative Entscheidungen getroffen hat, und Museumsnamen und -logos sind unabhängig vom Alter der Kunstwerke Warenzeichen.

Wir wenden die gleiche Regel in die andere Richtung an, was wichtiger ist. Künstler, die erst vor kurzem verstorben sind, unterliegen noch dem Urheberrecht, und wir drucken ihre Werke nicht, egal wie groß die Nachfrage sein mag. Die unabhängigen zeitgenössischen Künstler in unserem Katalog sind ein völlig anderer Fall: Sie leben, werden namentlich genannt, und jedes Deck existiert unter einer Vereinbarung mit ihnen. Die gleiche Argumentation wird in unserem Van-Gogh-Leitfaden und Klimt-Leitfaden dargelegt.

Häufig gestellte Fragen

Ist es legal, die Mona Lisa oder andere Renaissance-Gemälde auf Produkte zu drucken?

Ja. Das Urheberrecht an einem künstlerischen Werk dauert in der Regel die Lebenszeit des Urhebers plus 70 Jahre in der EU und im Vereinigten Königreich, und jeder Künstler in dieser Serie starb vor Jahrhunderten – Leonardo da Vinci 1519, Botticelli 1510, Michelangelo 1564, Caravaggio 1610, Vermeer 1675. Ihr Werk ist länger gemeinfrei, als es modernes Urheberrecht gibt, so dass das Reproduzieren, Drucken, Anpassen und Verkaufen von Reproduktionen keiner Genehmigung und keiner Lizenzgebühren bedarf. Dies ist die gleiche rechtliche Grundlage, auf der der Louvre und die Uffizien Drucke und Postkarten der Gemälde in ihren eigenen Sammlungen verkaufen. Zwei Dinge bleiben jedoch geschützt: Eine moderne Fotografie eines Gemäldes kann ein eigenes Urheberrecht begründen, wenn der Fotograf originelle kreative Entscheidungen getroffen hat, und Museumsnamen und -logos bleiben Warenzeichen, unabhängig vom Alter des Kunstwerks.

Welches klassische Gemälde eignet sich am besten für ein Skateboard-Deck?

Porträts und einzelne stehende Figuren, da ein Deck etwa 85 × 20 cm misst – ein Verhältnis von über 4:1 – und die Renaissance-Porträtmalerei bereits um eine vertikale Figur auf einer zentralen Achse herum aufgebaut ist. Michelangelos David ist wohl die beste Wahl im Katalog, da eine hohe, schmale Skulptur einer stehenden Figur genau zum Format passt. Leonardos Dame mit dem Hermelin funktioniert aus demselben Grund und hat mehr kompositorische Energie als die Mona Lisa. Breite erzählende Szenen sind der schwierige Fall: Das Letzte Abendmahl ist 4,6 Meter breit und auf einer horizontalen Linie von dreizehn Figuren aufgebaut, so dass es eher als beschnittenes zentrales Detail denn als vollständige Reproduktion funktioniert. Der allgemeine Test ist, ob ein Beschnitt die kompositorische Logik des Malers bewahrt oder nur ein erkennbares Fragment übrig lässt.

Warum wurde Caravaggios Medusa auf einem Schild gemalt?

Es wurde als zeremonielle Paradepanzerrüstung in Auftrag gegeben, ein Geschenk für den Großherzog der Toskana. Caravaggio malte es daher in Öl auf Leinwand, die über einen konvexen Holzschild gespannt war, anstatt auf einer flachen Platte. Er nutzte die Krümmung bewusst aus: Die Konvexität lässt den abgetrennten Kopf zum Betrachter hin hervorstehen, und die Perspektive ist für diese gekrümmte Oberfläche berechnet. Er verlieh Medusa auch sein eigenes Gesicht und entschied sich, den Moment nach der Enthauptung zu malen, wobei der Ausdruck immer noch Schock zeigte. Es hängt heute in den Uffizien in Florenz und gehört zu den am häufigsten reproduzierten Beständen des Museums – was wissenswert ist für jeden, der annimmt, dass ernsthafte Malerei nur auf gespannter Leinwand in einem Rahmen gehört.

Was ist der Unterschied zwischen den beiden Geburten der Venus-Decks?

Es handelt sich um Gemälde verschiedener Künstler, die durch etwa vier Jahrhunderte getrennt sind. Botticellis Geburt der Venus stammt aus der Zeit um 1485, ist Tempera auf Leinwand, hängt in den Uffizien und ist ein Renaissance-Werk, das aus klaren Konturen und flachen Farben aufgebaut ist, mit einer bewusst stilisierten Figur, die anatomisch nicht plausibel ist und auch nie sein sollte. Bouguereaus Version stammt aus dem Jahr 1879, hängt im Musée d'Orsay und ist ein akademisches Gemälde: hochglänzend, fotografisch modelliert, eine bewusste Hommage des neunzehnten Jahrhunderts an dasselbe Thema. Welche Sie bevorzugen, hängt weitgehend davon ab, ob Sie auf die Stilisierung der Renaissance oder auf den akademischen Realismus ansprechen. Beide sind gemeinfrei und beide sind in unserem Katalog.

Ist die Erschaffung Adams wirklich wie ein Gehirn geformt?

Der rote Draperie, die Gott und die Figuren darin umgibt, bildet eine Form, die Anatomologen zufolge eng mit einem Querschnitt des menschlichen Gehirns korrespondiert, einschließlich Merkmalen, die an Sulci und den Hirnstamm erinnern. Michelangelo sezierte als junger Mann menschliche Leichen und kannte die Anatomie genau, was die Ähnlichkeit plausibler macht, als es bei einem anderen Maler der Fall wäre. Ob es beabsichtigt war, ist noch nicht endgültig geklärt – es handelt sich um einen ernsthaften und viel diskutierten Vorschlag in der kunsthistorischen und medizinischen Literatur und nicht um Internet-Folklore, aber es ist nicht bewiesen, und Michelangelo hat dazu keine Aussage hinterlassen. Das Gemälde selbst wurde als eine Tafel der Decke der Sixtinischen Kapelle fertiggestellt, die Michelangelo zwischen 1508 und 1512 widerwillig malte, da er sich eher als Bildhauer denn als Maler betrachtete.

Kann man klassische Skateboard-Kunst in einem Schlafzimmer aufhängen?

Einiges davon, mit einer Einschränkung: Vermeiden Sie Werke, bei denen ein Gesicht direkt den Betrachter ansieht. Die Mona Lisa über einem Bett ist eine Platzierung, die die meisten Menschen bereuen, aus dem gleichen Grund, warum Porträts im Allgemeinen nicht in einem Schlafzimmer zur Ruhe kommen – es gibt einen Blick, der Ihren trifft. Botticellis Geburt der Venus funktioniert gut, weil die Farbpalette sanft ist und die Aufmerksamkeit der Figur nach innen gerichtet ist, und Vermeers Milchmagd ist aus dem gleichen Grund ruhig, obwohl sie natürlicher in eine Küche oder ein Esszimmer gehört. Caravaggio sollte ganz aus Schlafzimmern ferngehalten werden: der Tenebrismus ist in einem Arbeitszimmer, einer Höhle oder einem dunklen Flur hervorragend und unruhig überall dort, wo man versucht zu schlafen.

Zusammenfassung des Artikels

deckarts druckt Renaissance- und Barockmeisterwerke auf A-Grade Canadian Maple Decks, jeweils 85 × 20 cm für 140 €. Das Sortiment umfasst sechs Werke von Leonardo da Vinci (Mona Lisa, Dame mit dem Hermelin, Salvator Mundi, Das letzte Abendmahl, Die Verkündigung und die Benois-Madonna), Michelangelos Erschaffung Adams und David, Botticellis Geburt der Venus, Caravaggios Medusa und Johannes der Täufer sowie Vermeers Milchmagd. Porträts und einzelne stehende Figuren passen am besten zum 4:1-Verhältnis des Decks, da die Renaissance-Porträtmalerei bereits um eine vertikale Achse organisiert ist – David und Dame mit dem Hermelin sind die stärksten Übereinstimmungen. Breite narrative Werke wie Das letzte Abendmahl funktionieren eher als beschnittene Details denn als vollständige Reproduktionen. Der Präzedenzfall für die Malerei auf einem geformten Objekt ist nicht modern: Caravaggio malte Medusa auf einen konvexen hölzernen Paradeschild, und sie hängt heute in den Uffizien. Alle Künstler in diesem Sortiment sind vor Jahrhunderten gestorben, daher sind die Werke gemeinfrei und die Reproduktion ist völlig legal. Platzierung: Vermeiden Sie Porträts mit nach außen gerichteten Gesichtern in Schlafzimmern, geben Sie Caravaggio eine dunkle Wand oder gerichtetes Licht, und gruppieren Sie drei klassische Decks für eine kohärente Sammlung.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von deckarts, ein Grafikdesigner und Druckspezialist, ursprünglich aus der Ukraine, jetzt in Berlin ansässig, wo er jedes Deck persönlich entwirft und vorbereitet. Verfolgen Sie seine Arbeit auf Instagram oder unter stasarnautov.com.