Moderne Kunst auf Skateboard-Decks: Matisse, Munch, Kandinsky und die Public Domain

Zuletzt aktualisiert: Juli 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 17 Min. Lesezeit

Es gibt einen Grund, warum dieser Teil des Katalogs klein und neu ist, und das ist nicht der Geschmack.

Das Urheberrecht in der Europäischen Union dauert ein Leben lang plus siebzig Jahre. Diese Regel trennt, was legal gedruckt werden darf und was nicht, und sie verschiebt sich jedes Jahr im Januar um genau ein Jahr. Nichts an der Bedeutung eines Künstlers ändert sich an diesem Datum. Was sich ändert, ist, dass das Werk für jedermann frei reproduzierbar wird.

Henri Matisse starb am 3. November 1954. Sein Werk wurde in der EU am 1. Januar 2025 gemeinfrei. Das Tanzdeck aus dieser Serie hätte vor zwei Jahren nicht legal hergestellt werden können, und jetzt kann es das. Das ist die gesamte Erklärung, und es lohnt sich, sie klar zu formulieren, denn die Alternative – vorzugeben, eine Künstlerreihe sei eine kuratorische Aussage, wenn sie teilweise ein rechtlicher Kalender ist – wäre unehrlich.

Die Grenze der Gemeinfreiheit

Die Regel in der EU ist unkompliziert: Der Schutz dauert ein Leben lang plus siebzig Jahre, gerechnet ab dem Ende des Todesjahres. Ein Künstler, der 1954 starb, ist also bis Ende 2024 geschützt und ab dem 1. Januar 2025 frei.

Zwei Konsequenzen, die Sie als Käufer verstehen sollten.

Alles Neuere ist nicht verfügbar und wird es auch nicht sein. Künstler, die nach 1955 starben, bleiben geschützt, und keine noch so große Nachfrage ändert das. Wenn Sie auf der Suche nach Namen aus der Mitte des Jahrhunderts oder zeitgenössischen Namen auf einem Deck sind, werden diese hier nicht erscheinen, und jeder Verkäufer, der sie anbietet, ist entweder lizenziert oder verletzt Urheberrechte.

Die Schutzfristen unterscheiden sich auch von Land zu Land – die Vereinigten Staaten verwenden ein anderes System, das auf dem Veröffentlichungsdatum und nicht auf dem Tod basiert – sodass ein Werk in einer Gerichtsbarkeit frei und in einer anderen geschützt sein kann. Wir arbeiten nach den EU-Regeln.

Die Frage des lebenden Künstlers ist separat. Gemeinfreiheit gilt für Verstorbene. Werke lebender unabhängiger Künstler werden im Rahmen einer Vereinbarung und unter Angabe der Quelle verwendet, was eine völlig andere Regelung ist und nicht das Thema dieses Leitfadens.

Matisse – Der Tanz

Das Tanzdiptychon — 230 €, zwei Paneele mit 171 cm.

Matisse malte „Der Tanz“ im Jahr 1910 für eine bestimmte Treppe in einem bestimmten Haus. Sergei Schtschukin, ein Moskauer Textilhändler mit einer der abenteuerlichsten Sammlungen Europas, gab zwei große Tafeln für das Treppenhaus seiner Villa in Auftrag. Das Gemälde war nicht für eine Galerie gedacht. Es wurde als Architektur geschaffen, um daran vorbeizugehen, was der gleiche Auftrag ist, den ein breites zweigeteiltes Werk an einer Flurwand erfüllt.

Drei Farben erfüllen die gesamte Aufgabe: Blau für den Himmel, Grün für den Boden und ein flaches Rot-Orange für die fünf Figuren. Es gibt keine Modellierung, keinen Schatten, keine Perspektive, keinen Versuch, Muskeln oder Stoff zu beschreiben. Die Figuren sind Umrisse, die mit einem Ton gefüllt sind. Dies war so weit außerhalb dessen, was man 1910 von der Malerei erwartete, dass Schtschukin, nachdem er es in Auftrag gegeben hatte, kurz in Panik geriet, es aufzuhängen – und es dann doch tat.

Was es an einer Wand wirken lässt, ist genau diese Flachheit. Die meisten reproduzierten Gemälde verlieren bei der Reproduktion etwas, weil Öloberfläche, Pinselstriche und Lasur den Druck nicht überleben. Der Tanz verliert fast nichts, weil es nie eine Oberflächenstörung gab, die verloren gehen könnte. Es war bereits eine flache Farbfläche, und es flach auf Holz zu drucken, kommt der ehrlichen Version davon nahe.

Das Original befindet sich in der Eremitage in St. Petersburg. Eine frühere Version von 1909 befindet sich in New York.

Munch – Der Schrei

Der Schrei — 140 €. Zwei Korrekturen zu dem, was die meisten Menschen darüber glauben, und beide machen das Bild besser.

Die Figur schreit nicht. Munchs eigener Bericht beschreibt, wie er mit zwei Freunden bei Sonnenuntergang spazieren ging, der Himmel blutrot wurde und er anhielt, während die Freunde weitergingen – und einen unendlichen Schrei spürte, der durch die Natur ging. Die Figur hält sich die Hände über die Ohren. Sie hört etwas, produziert es nicht. Sobald man das erkennt, ist der offene Mund kein Ausdruck mehr, sondern wird zu einer Reaktion, was erheblich beunruhigender ist.

Es ist eine Inschrift darauf. Auf dem Gemälde von 1893 schrieb jemand im roten Himmel mit Bleistift: eine Zeile des Inhalts, dass dies nur von einem Verrückten gemalt worden sein könnte. Jahrzehntelang war unklar, ob dies Munchs eigene Handschrift oder ein Graffiti eines feindseligen Besuchers war. Im Jahr 2021 kam das Nationalmuseum von Norwegen nach einer Handschriftenanalyse zu dem Schluss, dass Munch es selbst geschrieben hat. Ein Maler, der sein eigenes berühmtestes Werk mit einer Beleidigung seiner geistigen Gesundheit beschmiert, ist ein seltsamer und sehr moderner Akt.

Es gibt insgesamt vier Versionen – zwei Gemälde, ein Pastell und eine Lithographie –, was ein Grund dafür ist, warum das Bild so früh so weit verbreitet war.

Kandinsky – Aufwärts

Aufwärts (Empor) — 140 €, gemalt 1929 während Kandinskys Bauhausjahren, und das einzige vollständig abstrakte Werk in dieser Reihe.

Zwei Dinge über Kandinsky sind wissenswert, weil sie die Lesart des Bildes verändern.

Er kam spät und auf ungewöhnlichem Weg zur Malerei: Er studierte Jura und Wirtschaft, lehrte auf Universitätsniveau und widmete sich erst um das dreißigste Lebensjahr der Kunst. Die Strenge des abstrakten Werks – Geometrie, Gleichgewicht, Systeme – ist nicht die Strenge eines Malers, der allmählich vereinfachte. Es ist die Strenge eines Menschen, der mit einer bereits vorhandenen analytischen Ausbildung ankam und ein Buch, Über das Geistige in der Kunst, schrieb, in dem er seine Position argumentierte, bevor die meisten Gemälde existierten.

Er assoziierte auch Farben direkt mit Klängen. Farbe war für ihn nicht dekorativ oder symbolisch, sondern etwas, das der Musik näher kam – ein Gelb, das wie eine Trompete klang, ein Blau, das sich wie ein Cello verhielt. Ob man dieser Darstellung zustimmt oder nicht, erklärt sie, warum seine Kompositionen wie Partituren angeordnet sind: Elemente, die in Intervallen zueinander angeordnet sind, anstatt etwas darzustellen.

Praktisch ist dies das einfachste Stück hier, das platziert werden kann. Abstraktion hat kein Thema, das mit einem Raum kollidiert, und Geometrie auf einem warmen Holzhintergrund passt besser zu zeitgenössischen Interieurs als fast alles andere, was wir drucken.

Grant Wood – American Gothic

Das American Gothic Trio — 310 €, drei Paneele mit 256 cm. Zuerst ein ehrlicher Hinweis, im Einklang damit, wie dieser Blog mit dem Format umgeht: Das Original ist eine einzelne vertikale Tafel. Die Darstellung auf drei Decks ist eine kompositorische Entscheidung, keine Reproduktion einer Originalstruktur – im Gegensatz zu den Bosch-Triptychen, die tatsächlich dreiteilige Objekte waren.

Fast alles, was allgemein über das Gemälde geglaubt wird, ist falsch, und die wahre Version ist besser.

Sie sind kein Ehepaar. Grant Wood beabsichtigte Vater und Tochter darzustellen. Die Modelle waren seine eigene Schwester, Nan Wood Graham, und sein Zahnarzt, Dr. Byron McKeeby. Nan soll sich jahrelang darüber geärgert haben, dass sie als Farmerfrau statt als Farmerstochter angesehen wurde.

Sie sind keine Bauern. Ein Zahnarzt und die Schwester des Malers, separat im Atelier posiert, in Kostümen.

Das Haus ist echt und das Gemälde ist nach einem Fenster benannt. Wood sah ein kleines weißes Haus in Eldon, Iowa, mit einem unpassend großen, spitz zulaufenden gotischen Fenster im Giebel – ein modisches europäisches Kirchenmotiv an einem bescheidenen hölzernen Bauernhaus. Der Stil wird Carpenter Gothic genannt, und das Gemälde ist nach dem Fenster benannt, nicht nach den Personen. Wood stellte sich dann die Art von Menschen vor, die in einem solchen Haus leben könnten, und malte sie davor.

Das Bild zeigt also ein hölzernes amerikanisches Haus, das vorgibt, eine gotische Kathedrale zu sein, mit zwei Personen, die nicht sind, wer sie scheinen, gemalt von einem Mann, der sie weder verspottete noch feierte, wie Kritiker je übereinstimmten. Es wurde als Satire, als Hommage, als regionaler Stolz und als Herablassung gelesen, manchmal alles im selben Jahrzehnt.

Es befindet sich im Art Institute of Chicago und ist nach wie vor eines der am häufigsten parodierten Bilder aller Zeiten.

Gauguin und ein ehrlicher Hinweis

Zwei tahitianische Frauen — 230 €, Diptychon, gemalt 1899 und im Besitz des Metropolitan Museum of Art.

Das Gemälde selbst ist hervorragend: flache Flächen warmer Farben, Figuren fast ohne Schatten modelliert, eine Komposition, die ebenso viel dem japanischen Druck und dem ägyptischen Relief verdankt wie der europäischen Malerei. Gauguins Farbsinn beeinflusste fast alles, was ihm folgte, Matisse sehr eingeschlossen, und die direkte Linie von diesem zu „Der Tanz“ in derselben Reihe ist leicht zu erkennen.

Der ehrliche Hinweis ist, dass Gauguins tahitianische Periode tatsächlich umstritten ist und nicht von Revisionisten, die ein Problem erfinden. Er kam als französischer Kolonialuntertan in eine französische Kolonie, schrieb darüber in Begriffen, die heute schwer zu lesen sind, und hatte Beziehungen zu einheimischen Mädchen, die nach jedem Maßstab, einschließlich dem seines eigenen Jahrhunderts, jung waren. Museen, die dieses Werk besitzen, erwähnen dies zunehmend auf dem Wandetikett.

Wir sind der Meinung, dass es sich lohnt, die Gemälde zu betrachten, und dass dieser Kontext neben ihnen stehen sollte, anstatt stillschweigend weggelassen zu werden. Jeder, der das nicht an einer Wand haben möchte, hat eine vernünftige Haltung, und der Rest der modernen Reihe trägt es nicht.

Warum moderne Kunstwerke zu weißen Wänden passen

Dies ist der praktische Punkt der gesamten Kategorie, und er ist das Gegenteil des Ratschlags in den meisten unserer anderen Leitfäden.

Renaissance-, Barock- und niederländische Werke basieren auf Dunkelheit. Die Bilder sind aus tiefem Schatten konstruiert, aus dem Licht hervortritt, was bedeutet, dass sie eine Wand benötigen, die nicht mit ihnen konkurriert – warmes Grau, Anthrazit, tiefes Grün, Ziegel. Auf leuchtendem Weiß wirken sie ausgeschnitten und leicht verloren, wie unser Leitfaden für dunkle Bereiche behandelt.

Frühmoderne Werke haben den entgegengesetzten Aufbau. Flache Farben, harte Kanten, keine atmosphärische Tiefe, kein Schatten. Sie entstanden in einer Zeit, in der Maler aktiv die Illusion des Raumes aufgaben, was bedeutet, dass sie keine Wand benötigen, um Atmosphäre zu liefern. Sie sitzen perfekt auf Weiß, weil sie nicht vorgeben, ein Fenster zu sein.

Drei Regeln speziell für diese Kategorie.

Moderne Werke passen gut zu modernen Werken und schlecht zu allem anderen. Ein Matisse neben einem Renaissance-Porträt lässt beides falsch erscheinen – das eine ist eine flache Ebene, das andere ein beleuchteter Raum, und das Auge kann beide Prämissen nicht gleichzeitig erfassen. Gruppieren Sie nach Epoche, nicht nach Farbe.

Flache Farben benötigen eine gleichmäßige Beleuchtung. Direkte Scheinwerfer sind darauf ausgelegt, Schatten zu modellieren, und diese Stücke haben keine Schatten zum Modellieren. Ein harter Spot auf flachen Farben erzeugt eher Blendung als Dramatik. Diffuses Umgebungslicht funktioniert besser – siehe den Montageleitfaden für die Platzierung.

Die Reproduktion verliert hier weniger. Ein Ölgemälde, das auf Lasur und Impasto basiert, verliert beim Druck immer etwas, weil die Oberfläche Teil des Bildes ist. Werke, die auf flachen Farbflächen basieren, überleben die Reproduktion weitaus besser. Wenn Sie der Gedanke an eine Reproduktion beunruhigt, ist dies die Kategorie, in der der Abstand zwischen Original und Druck am geringsten ist.

Häufig gestellte Fragen

Warum dürfen Sie Matisse legal drucken, spätere Künstler jedoch nicht?

Weil das Urheberrecht in der Europäischen Union für die Lebenszeit des Künstlers plus siebzig Jahre gilt, gerechnet ab dem Ende des Todesjahres. Henri Matisse starb am 3. November 1954, sodass sein Werk bis Ende 2024 geschützt war und am 1. Januar 2025 gemeinfrei wurde – weshalb „Der Tanz“ zwei Jahre zuvor nicht legal gedruckt werden konnte. Dieselbe Regelung führte dazu, dass Edvard Munch und Wassily Kandinsky, die beide 1944 starben, 2015 gemeinfrei wurden und Grant Wood 2013. Künstler, die nach 1955 starben, bleiben geschützt, und keine noch so große Nachfrage ändert das. Die Schutzfristen variieren auch je nach Land, da die Vereinigten Staaten das Veröffentlichungsdatum statt des Todesdatums zugrunde legen, sodass ein Werk in einer Gerichtsbarkeit frei und in einer anderen geschützt sein kann.

Schreit die Figur in Der Schrei?

Nein, und dies ist die häufigste Fehlinterpretation des Bildes. Munchs eigener Bericht beschreibt, wie er mit zwei Freunden bei Sonnenuntergang spazieren ging, den Himmel blutrot werden sah, stehen blieb, während die Freunde weitergingen, und einen unendlichen Schrei durch die Natur dringen fühlte. Die Figur auf dem Gemälde hat die Hände über die Ohren gepresst – sie hört etwas, anstatt es selbst zu erzeugen. Der offene Mund ist eine Reaktion auf ein Geräusch von außen, was das Bild erheblich beunruhigender macht als die populäre Lesart. Es gibt insgesamt vier Versionen: zwei Gemälde, ein Pastell und eine Lithografie, was ein Grund dafür ist, dass das Bild so schnell so weite Verbreitung fand.

Wer schrieb "kann nur von einem Verrückten gemalt worden sein" auf den Schrei?

Munch selbst. Eine Bleistiftinschrift dieses Inhalts befindet sich im roten Himmel des Gemäldes von 1893, und jahrzehntelang war unklar, ob es sich um die eigene Hand des Künstlers oder um Graffiti eines feindseligen Besuchers handelte. Im Jahr 2021 kam das Nationalmuseum von Norwegen auf der Grundlage einer Handschriftenanalyse zu dem Schluss, dass Munch es geschrieben hat. Ein Maler, der sein eigenes berühmtestes Werk mit einer Beleidigung seiner eigenen geistigen Gesundheit verunziert, ist eine ungewöhnliche und sehr moderne Geste, und sie steht in seltsamem Gegensatz zum populären Bild des Gemäldes als einem einfachen Ausdruck von Qual.

Sind die Personen in American Gothic ein Ehepaar?

Nein. Grant Wood beabsichtigte einen Vater und eine Tochter, und die Modelle waren seine eigene Schwester, Nan Wood Graham, und sein Zahnarzt, Dr. Byron McKeeby, die separat im Studio in Kostümen posierten. Keiner von beiden war Landwirt. Das Gemälde ist auch nach einem Fenster und nicht nach den Personen benannt: Wood sah ein kleines weißes Haus in Eldon, Iowa, mit einem unpassend großen, spitz zulaufenden Gothic-Revival-Fenster in seinem Giebel – einem Stil, der als Carpenter Gothic bekannt ist – und stellte sich dann die Art von Menschen vor, die darin leben könnten. Nan soll sich jahrelang darüber geärgert haben, dass sie für die Frau eines Farmers und nicht für die Tochter eines Farmers gehalten wurde. Das Gemälde befindet sich im Art Institute of Chicago.

Welche Art von Wand passt am besten zu moderner Kunst?

Weiße oder helle Wände, was das Gegenteil des Ratschlags für ältere Malerei ist. Renaissance-, Barock- und holländische Werke sind aus tiefem Schatten mit daraus hervorgehendem Licht aufgebaut, daher brauchen sie eine Wand, die nicht mit ihnen konkurriert – warmes Grau, Anthrazit, tiefes Grün oder Ziegelrot – und sehen vor hellem Weiß ausgeschnitten aus. Frühe moderne Werke bestehen aus flacher Farbe, scharfen Kanten und keiner atmosphärischen Tiefe, weil die Maler dieser Zeit bewusst die Illusion des Raumes aufgaben. Sie brauchen daher keine Wand, die Atmosphäre liefert, und passen perfekt zu Weiß. Flache Farbe wünscht sich auch gleichmäßiges, diffuses Licht statt gerichteter Spotbeleuchtung, die dazu dient, Schatten zu modellieren, die diese Bilder nicht haben.

Warum ist Gauguins tahitianisches Werk umstritten?

Weil die Umstände seiner Entstehung tatsächlich schwierig sind, nicht wegen einer neueren Neuinterpretation. Gauguin kam als französischer Kolonialuntertan in einer französischen Kolonie nach Tahiti, schrieb über die Menschen und den Ort in Begriffen, die heute schwer zu lesen sind, und hatte Beziehungen zu einheimischen Mädchen, die nach den Maßstäben seines eigenen Jahrhunderts wie auch nach unseren jung waren. Museen, die das Werk besitzen, nehmen dies zunehmend auf Wandbeschriftungen auf, anstatt es wegzulassen. Die Gemälde bleiben historisch wichtig – die flachen Ebenen warmer Farben beeinflussten Matisse direkt, und die Linie von diesem Werk zu "Der Tanz" ist leicht nachzuvollziehen –, aber jeder, der es vorziehen würde, es nicht aufzuhängen, hat eine vernünftige Position.

Zusammenfassung des Artikels

deckarts druckt frühe moderne Werke – Matisse, Munch, Kandinsky, Grant Wood und Gauguin – mit Einzelstücken für 140 €, Diptychen für 230 € und dem American Gothic Trio für 310 €. Das Sortiment existiert auf einem rechtlichen Zeitplan: Das EU-Urheberrecht gilt für das Leben des Künstlers plus siebzig Jahre, wodurch Grant Wood 2013, Munch und Kandinsky 2015 und Matisse erst am 1. Januar 2025 gemeinfrei wurden. Matisse malte Der Tanz 1910 für das Treppenhaus von Sergej Schtschukins Moskauer Villa, wobei er drei flache Farben verwendete und keinerlei Modellierung vornahm. Die Figur in Munchs Schrei bedeckt ihre Ohren, anstatt zu schreien, und die Bleistiftinschrift, die den Maler als Wahnsinnigen bezeichnete, wurde 2021 als Munchs eigene bestätigt. Kandinsky kam von der Rechts- und Wirtschaftswissenschaft zur Malerei und assoziierte Farben direkt mit Klängen. American Gothic zeigt die Schwester des Künstlers und seinen Zahnarzt, kein Bauernpaar, und ist nach einem Carpenter Gothic Fenster in Eldon, Iowa, benannt. Gauguins tahitianisches Werk birgt echte historische Schwierigkeiten, die dazu gehören. Praktisch passen moderne Werke zu weißen Wänden und gleichmäßigem, diffusem Licht – das Gegenteil des Ratschlags für ältere Malerei – und verlieren weniger bei der Reproduktion, da flache Farbe keine Oberflächeneigentümlichkeiten zu verlieren hat.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von deckarts, ein Grafikdesigner und Druckspezialist, ursprünglich aus der Ukraine, jetzt in Berlin ansässig, wo er jedes Deck persönlich entwirft und vorbereitet. Folgen Sie seiner Arbeit auf Instagram oder unter stasarnautov.com.