Die Geschichte der Skateboard-Deck-Grafiken: Wie das Board zur Leinwand wurde

Zuletzt aktualisiert: Juli 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 14 Min. Lesezeit

Die meisten Berichte über Deck-Grafiken beschreiben Jahrzehnte, ohne Namen zu nennen. Dieser Artikel nennt die Verantwortlichen, denn gerade die Details machen die Geschichte erzählenswert.

Die blanken Jahre

Die ersten Skateboards waren improvisiert. Im Kalifornien der 1950er Jahre montierten Surfer Rollschuhachsen und -rollen an Holzbretter – das Ziel war es, bei Flaute zu skaten, und es gab keinen Grund, irgendetwas zu verzieren.

Kommerzielle Boards folgten in den frühen 1960er Jahren, doch die Rollen waren aus Ton oder Stahl, das Fahren war gefährlich und der erste Boom brach um 1965 fast so schnell zusammen, wie er begonnen hatte. Etwa ein Jahrzehnt lang war Skateboarden als Industrie nahezu tot. Auf der Unterseite eines Boards wurde nichts gedruckt, weil es kaum ein Board-Geschäft gab, von dem man hätte sprechen können.

Die Rolle, die alles veränderte

Die Wiederbelebung kam durch ein Material, nicht durch ein Design. Anfang der 1970er Jahre begann Frank Nasworthy mit dem Verkauf von Polyurethan-Rollen – bekannt als Cadillac Wheels –, und sie veränderten das Potenzial eines Skateboards. Urethan bot Grip, rollte über rauen Untergrund und rutschte nicht so weg wie Tonrollen.

Skaten wurde praktikabel, dann populär, und eine Industrie baute sich darum auf. Santa Cruz Skateboards wurde 1973 gegründet. Powell-Peralta folgte später im Jahrzehnt, als George Powell eine Partnerschaft mit dem Skater Stacy Peralta einging. Nun existierten Unternehmen, die sich differenzieren mussten – und die flache Unterseite des Boards war die einzige verfügbare Fläche dafür.

Wes Humpston und die ersten Grafiken

Die Person, der am häufigsten zugeschrieben wird, diese Fläche in eine Leinwand verwandelt zu haben, ist Wes Humpston. In der zweiten Hälfte der 1970er Jahre zeichnete er in der Dogtown-Szene von Venice und Santa Monica von Hand auf die Unterseiten der Boards – Kreuze, Schriftzüge, dichte Linienführungen –, zunächst für sich und Freunde, dann als Markenzeichen von Dogtown Skates.

Die Bedeutung liegt darin, dass die Grafik auf der Unterseite zuvor entweder gar nicht vorhanden oder nur ein Logo war. Humpston behandelte sie als Zeichenfläche, und die Idee setzte sich sofort durch. Innerhalb weniger Jahre hatte jede Firma von Bedeutung jemanden, der dasselbe tat, und die Unterseite eines Decks war zum sichtbarsten Designelement im Skateboarden geworden – weil das Publikum es sieht, wenn ein Board in der Luft ist.

Die 1980er Jahre: VCJ und Jim Phillips

Zwei Künstler dominieren das Jahrzehnt, und ihre Arbeiten sind auch vierzig Jahre später noch im Umlauf.

Vernon Courtlandt Johnson, meist als VCJ abgekürzt, schuf die visuelle Identität von Powell-Peralta. Sein Totenkopf-mit-Schwert-Motiv, der "Winged Ripper" und die Pro-Modell-Grafiken für die Bones Brigade-Fahrer brachten heraldische, gotische und skelettartige Bildsprachen unter Teenagern in den Massenumlauf, Jahre bevor dieses Vokabular das Mainstream-Design erreichte. Die Zeichnungen sind dicht, symmetrisch und stark schwarz akzentuiert – darauf ausgelegt, auf einem fahrenden Board aus der Distanz lesbar zu sein.

Jim Phillips leistete bei Santa Cruz Ähnliches, jedoch in einem völlig anderen Register: hell, laut, comicartig, näher an Hot-Rod- und Monster-Magazin-Illustrationen als an Heraldik. Seine "Screaming Hand", gezeichnet 1985, hat den Kontext ihrer Entstehung überdauert und ist heute eines der am häufigsten reproduzierten Grafikmotive jener Ära – gedruckt auf weit mehr T-Shirts und Aufklebern als auf Skateboards.

Beide leisteten kommerzielle Illustrationsarbeit für eine Sportartikelmarke. Keiner von ihnen agierte in einem Kunstkontext. Genau das ist der Grund, warum ihre Arbeiten so eigenartig sind.

Warum Decks solch seltsame Kunst trugen

Dies ist der Teil, der meist weggelassen wird, und er erklärt alles andere.

Ein Deck ist ein Verbrauchsgegenstand. Es nutzt sich ab, delaminiert oder bricht, und wer regelmäßig fährt, ersetzt sein Board ständig. Diese einfache Tatsache trieb die gesamte visuelle Kultur voran.

Da Boards verschleißen, setzten Unternehmen auf wiederkehrende Käufe. Da sich ein Deck aus einer Fabrik physisch kaum von dem einer anderen unterschied, gab es außer der Grafik kaum Wettbewerbsmöglichkeiten. Und weil die Kunden Teenager waren, die Eigenartigkeit belohnten – im Gegensatz zu einem Auftraggebergremium, das sie bestraft hätte –, stieß die Kunst in Territorien vor, die kein normales Konsumprodukt berührt hätte: Totenköpfe, okkulte Symbole, Gewalt, Blasphemie, Witze mit schlechtem Geschmack.

Es gab keine Galerie, die man zufriedenstellen musste, und keine Marken-Sicherheitsprüfung. Skateboard-Grafiken dieser Zeit sind einer der wenigen großen Bestände an kommerzieller Illustration, die nahezu ohne Einschränkungen produziert wurden, weshalb sie bis heute so einzigartig aussehen.

Die 1990er Jahre: kleinere Boards, schärfere Witze

Street-Skating verdrängte Ende der 1980er und Anfang der 1990er Jahre das Vert-Skating, und die Form der Boards änderte sich entsprechend – schmaler, symmetrischer, mit der Twin-Tip-Form, die heute Standard ist. Auch die Grafiken veränderten sich.

Steve Roccos World Industries, 1987 gegründet, gab den Ton an: Grafiken, die Firmenlogos parodierten, Konkurrenzfirmen verhöhnten und bewusst provozierte – vieles davon gezeichnet von Marc McKee. Einiges davon ist schlecht gealtert, anderes war darauf ausgelegt, damals unentschuldbar zu sein. In jedem Fall entfernte es die Deck-Kunst von Illustration-als-Dekoration hin zu Grafik-als-Kommentar.

Am anderen Ende brachte Girl Skateboards – 1993 gegründet, mit Andy Jenkins und Evan Hecox als prägenden Köpfen – Zurückhaltung von Designschulen in denselben Markt: sauberere Typografie, durchdachte Layouts, eine Ästhetik, die eher von der Grafikgestaltung der Jahrhundertmitte als von Monster-Comics entlehnt war.

Das Deck als Sammlerstück und Exponat

Ab den 2000er Jahren geschahen zwei Dinge.

Decks wurden zu Sammlerobjekten. Original-Boards von Powell-Peralta und Santa Cruz aus den 1980er Jahren, insbesondere unbenutzte Exemplare, gelangten in einen ernsthaften Sekundärmarkt. Supremes langjährige Serie von Künstlerkollaborationen brachte Decks hervor, die von Anfang an eher zum Aufbewahren als zum Fahren gekauft wurden; eine komplette Sammlung wurde 2019 bei Sotheby’s versteigert – das deutlichste Signal dafür, dass die Objekte die Kategorie der Sportartikel vollständig verlassen hatten.

Skater erwiesen sich als Künstler. Ed Templeton, Gründer von Toy Machine, stellt seit Jahrzehnten international Malerei und Fotografie aus. Die Ausstellung Beautiful Losers aus dem Jahr 2004 und der gleichnamige Dokumentarfilm gruppierten Künstler, die aus der Skate- und Street-Kultur stammten statt aus Kunstschulen, und machten diese Verbindung explizit.

Das Deck war zu diesem Zeitpunkt ein anerkanntes Format für künstlerisches Arbeiten und ein anerkanntes Objekt, um es an die Wand zu hängen.

Wo Wandkunst-Decks ihren Platz finden

Decks, die speziell als Wandkunst gefertigt werden, sind eine spätere und eigenständige Entwicklung; es lohnt sich, hier klar zwischen den Dingen zu unterscheiden, anstatt sie zu vermischen.

Ein gesammeltes Powell-Peralta-Board von 1985 ist ein historisches Objekt: Es wurde zum Fahren hergestellt, trägt eine Grafik, die für diesen Zweck gezeichnet wurde, und sein Wert ergibt sich aus Herkunft und Seltenheit. Ein heute als Wandkunst gedrucktes Deck ist etwas anderes. Es ist ein neues "Blank" (ein unbedrucktes Deck), das als Untergrund dient, gewählt, weil Proportion und Material für den Zweck passen.

Was sich übertragen lässt, ist der Grund, warum das Format überhaupt funktioniert. Skate-Künstler haben immer für ein schmales vertikales Feld mit abgerundeten Enden komponiert, statt rechteckige Bilder anzupassen, und sie haben ihre Entwürfe auf Lesbarkeit aus der Distanz und in Bewegung ausgelegt. Das sind dieselben Anforderungen wie bei einem Bild an einer Wand im Raum.

Der deckarts-Katalog führt diese Fläche in zwei Richtungen: Reproduktionen gemeinfreier Gemälde, abgedeckt in unseren Ratgebern zu Renaissance, japanischer Kunst, Van Gogh, Klimt und moderner Kunst; sowie originale zeitgenössische Designs, die im Ratgeber zu zeitgenössischer und Pop-Art behandelt werden und der oben beschriebenen grafischen Tradition am nächsten kommen.

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Häufig gestellte Fragen

Wann bekamen Skateboards zum ersten Mal Grafiken?

In den späten 1970er Jahren. Boards in den 1950ern und 1960ern waren schlicht, und die Industrie verschwand beinahe nach dem Zusammenbruch des ersten Booms um 1965. Die Wiederbelebung kam mit Frank Nasworthys Polyurethan-Rollen Anfang der 1970er Jahre, die das Skaten so praktikabel machten, dass Firmen sich neu aufstellen konnten – Santa Cruz wurde 1973 gegründet, Powell-Peralta später im Jahrzehnt. Wes Humpston, der in der Dogtown-Szene von Venice und Santa Monica aktiv war, wird am häufigsten damit in Verbindung gebracht, die Unterseite des Boards in eine Zeichenfläche verwandelt zu haben, statt dort nur ein Logo zu platzieren; er zeichnete Kreuze und dichte Linien zunächst für Freunde und später als Identität von Dogtown Skates. Die Idee verbreitete sich sofort, weil die Unterseite eines Decks das sichtbarste Designelement im Skaten ist – es ist das, was jeder sieht, wenn das Board in der Luft ist.

Wer waren die wichtigsten Skateboard-Grafikkünstler?

Zwei Namen dominieren die 1980er Jahre. Vernon Courtlandt Johnson (VCJ) schuf die visuelle Identität von Powell-Peralta, inklusive des Totenkopf-mit-Schwert-Motivs und des "Winged Ripper", und brachte damit heraldische und gotische Bildsprachen in den Umlauf. Jim Phillips leistete Vergleichbares für Santa Cruz in einem völlig anderen Register – hell, laut, comicartig – und seine 1985 entworfene "Screaming Hand" wurde zu einem der meistreproduzierten Bilder der Ära. Zuvor etablierte Wes Humpston die Praxis an sich. In den 1990ern trieb Marc McKees Arbeit für World Industries Grafiken in Richtung Parodie und Provokation, während Andy Jenkins und Evan Hecox für Girl Skateboards eine designorientierte Zurückhaltung einführten.

Warum durfte Skateboard-Kunst so seltsam sein?

Wegen der wirtschaftlichen Funktionsweise des Produkts. Ein Deck ist ein Verbrauchsgegenstand – es nutzt sich ab, delaminiert oder bricht –, daher verkauften Unternehmen über Wiederholungskäufe. Da Decks verschiedener Hersteller physisch sehr ähnlich waren, gab es kaum Wettbewerbsfaktoren außer der Grafik. Und die Kunden waren Teenager, die Eigenartigkeit belohnten, statt ein Auftraggebergremium, das sie zensiert hätte. Es gab keine Galerie und keine Markensicherheitsprüfung, was die Arbeit in Territorien trieb, die kein normales Konsumprodukt angefasst hätte: Totenköpfe, okkulte Symbole, Gewalt und bewusste Provokation. Skateboard-Grafiken jener Zeit sind einer der wenigen Bestände kommerzieller Illustration, die nahezu ohne Zwang entstanden sind.

Ist ein Wandkunst-Deck dasselbe wie ein sammelbares Skateboard?

Nein, und diese Unterscheidung ist wichtig. Ein originales Powell-Peralta- oder Santa Cruz-Board aus den 1980ern ist ein historisches Objekt: Es wurde hergestellt, um gefahren zu werden, trägt eine damals entworfene Grafik und bezieht seinen Wert aus Herkunft und Seltenheit. Ein heute als Wandkunst gedrucktes Deck ist etwas anderes – ein neues "Blank", das als Untergrund dient. Es ist kein historisches Artefakt und gewinnt nicht an Wert. Was sich aus der Tradition überträgt, ist die kompositorische Logik: Skateboard-Künstler haben immer für ein schmales vertikales Feld und gute Fernwirkung entworfen – genau das, was auch für die Wandmontage entscheidend ist.

Wer zeichnete die "Screaming Hand"?

Jim Phillips zeichnete die "Screaming Hand" 1985 für Santa Cruz Skateboards. Sie wurde zu einem der am häufigsten reproduzierten Bilder im Skateboarden.

Wer war VCJ?

VCJ steht für Vernon Courtland Johnson, den Künstler hinter vielen Grafiken von Powell-Peralta in den späten 1970er und 1980er Jahren, darunter die Totenköpfe, der "Ripper" und die Drachendesigns für das Bones Brigade-Team.

Wann veränderten Urethan-Rollen das Skateboarden?

Frank Nasworthy führte Anfang der 1970er Jahre Urethan-Skateboard-Rollen ein. Ihr Grip und ihre Laufruhe ließen das Skateboarden nach dem Einbruch Mitte der 1960er wiederaufleben.

Artikelzusammenfassung

Skateboards waren in den 1950ern und 60ern schlicht, die Industrie kollabierte um 1965, bis Polyurethan-Rollen Anfang der 70er das Skaten wieder möglich machten. Firmen wie Santa Cruz (1973) und Powell-Peralta bauten darauf auf. Wes Humpston wird die Verwandlung der Board-Unterseite von einer reinen Logo-Fläche in eine künstlerische Leinwand zugeschrieben. Die 1980er waren durch Vernon Courtlandt Johnsons heraldische Arbeiten für Powell-Peralta und Jim Phillips’ lebhafte Comics für Santa Cruz definiert. Die "Seltsamkeit" der Kunst rührt von ihrer ökonomischen Funktion als Gebrauchsgegenstand her: Da Boards austauschbar waren, war die Grafik das einzige Unterscheidungsmerkmal. In den 1990ern folgten schmalere Boards, World Industries' Provokationen und Girl Skateboards' minimalistische Design-Ästhetik. Heute sind Decks sammelbare Objekte oder, als neu gefertigte Wandbilder, eine Weiterführung der kompositorischen Logik der Skate-Kunst.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist Gründer von deckarts, Grafikdesigner und Druckspezialist, ursprünglich aus der Ukraine und heute in Berlin ansässig, wo er jedes Deck persönlich entwirft und vorbereitet.

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