Interview · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 8 Min. Lesezeit
In Hadars Welt ist im Moment viel Grau. Baustellen. Gerüste. Beton. Aufgerissene und wiederhergestellte Straßen. Sie lebt in Israel, und ein Großteil der Gebäude um sie herum existiert, weil etwas beschädigt wurde und nun wiederaufgebaut werden muss.
Ihre Kunst ist das Gegenteil von Grau. Sie ist laut, warm, witzig und unglaublich farbenfroh – Charaktere mit Haltung, winzige Aufkleber, die in den Ecken versteckt sind, und das Gefühl, dass jemand eine wirklich gute Zeit hat. Sie arbeitet als Citrus Rock, und drei ihrer Illustrationen sind jetzt auf deckarts Ahorn zu sehen.
Wir haben sie gefragt, wie das eine zum anderen wird.
Einen Stil zu finden ist kein Blitzschlag
Citrus Rock hat einen so wiedererkennbaren Look – kühne, farbenfrohe Charaktere voller Haltung. Wie sind Sie zu diesem "Pop-Grotesk"-Stil gekommen?
„Es war definitiv nichts, was ich über Nacht herausgefunden habe. Lange Zeit war ich mir nicht sicher, was mein Stil war.“
„An einem Punkt forderte ich mich selbst heraus, 30 Tage lang jeden Tag zu zeichnen, mit einem Ziel vor Augen: meine eigene visuelle Sprache zu entdecken. Ich zeichnete ständig farbenfrohe, von der Straße inspirierte Charaktere mit übertriebenen Persönlichkeiten. Es machte mir wirklich Spaß, sie zu kreieren, und nach und nach wurden sie immer feiner. Rückblickend war diese Herausforderung der Beginn dessen, was schließlich zu meinem heutigen Stil wurde.“
Es ist eine still ermutigende Antwort. Der Stil entstand nicht vollständig, er wurde gefunden, indem sie dreißig Tage hintereinander auftauchte und darauf achtete, was immer wieder aus ihrer Hand kam.
Warum Grau sie nach Farbe greifen lässt
Sie haben erwähnt, dass graue Baustellen und Gerüste Sie inspirieren – dass Sie sie fast als Skate-Spots sehen. Wie verwandelt sich diese rohe, chaotische Stadtenergie in Ihrer Arbeit in etwas so Farbiges und Freudiges?
„Ja! Überall um mich herum wird gebaut. Ich denke, wenn man von so viel Grau umgeben ist, sehnt man sich natürlich noch mehr nach Farbe.“
„Manche Leute sagen, dass Künstler auf grauem Papier statt auf weißem zeichnen sollten, und obwohl ich immer noch auf weißem Papier zeichne, finde ich, dass an dieser Idee etwas dran ist, das mich wirklich anspricht. Grau weckt in mir den Wunsch zu schaffen. Es lässt mich Farbe in die Welt zurückgießen.“
„Ich liebe es, Schönheit und Verspieltheit an Orten zu finden, die die meisten Menschen übersehen, und irgendwie sind Baustellen, Gerüste und unfertige Räume Teil dieser visuellen Inspiration geworden.“
„Grau lässt mich etwas erschaffen. Es lässt mich Farbe in die Welt zurückgießen.“
Gerüste als Symbol für Neuanfänge
Wie spiegelt sich Ihr Leben in Israel – seine Straßen, Kontraste und Energie – in Ihrer Kunst wider?
„Die schwierige Zeit, die wir in Israel durchgemacht haben – und immer noch durchmachen –, hat mich viel über mich selbst gelehrt.“
„Ich habe viel Grau und Dunkelheit gesehen. Viele der Baustellen um mich herum existieren, weil Häuser und Straßen beschädigt wurden und wieder aufgebaut werden. Obwohl so viel Beton und Gerüste herumstehen, sehe ich sie nicht mehr als Symbole der Zerstörung. Für mich repräsentieren sie Neuanfänge – Orte, die bald wieder Leben, Farbe und Bedeutung haben werden.“
„Wenn die Welt um dich herum beginnt, sich wieder aufzubauen, ermutigt es dich, dich auch wieder aufzubauen.“
„Deshalb ist es für mich so wichtig geworden, meine Illustrationen mit Optimismus, kräftigen Farben und fröhlichen Charakteren zu füllen. Es ist meine Art, die Art von Welt zu schaffen, die ich um mich herum sehen möchte.“
„Das Schaffen fröhlicher Illustrationen ist meine Art geworden, der Welt ein wenig mehr Farbe zu verleihen – und die Menschen vielleicht daran zu erinnern, dass es auch nach schwierigen Zeiten immer Raum gibt, etwas Schönes neu aufzubauen.“
Die Charaktere sind sie, an einem bestimmten Tag
Ihre Charaktere haben so viel Persönlichkeit und Humor. Woher kommen sie – echte Menschen, Stimmungen, Fantasie?
„Meine Charaktere kommen von mir. Sie spiegeln normalerweise wider, wie ich mich in diesem Moment fühle – oder manchmal, wie ich mich fühlen möchte.“
„Meistens beginne ich nicht mit einem klaren Plan. Ich lasse einfach meine Hand den Weg weisen und schaue, wohin der Charakter gehen möchte. Das ist einer meiner liebsten Teile des Prozesses – es überrascht mich immer wieder.“
Gibt es ein Gefühl oder eine Botschaft, die Sie den Menschen vermitteln möchten, wenn sie Ihre Arbeit betrachten?
„Mehr als alles andere hoffe ich, dass meine Arbeit die Menschen zum Lächeln bringt.“
„Ich liebe es, kräftige, lebendige Farben zu verwenden, weil sie mich von Natur aus glücklich machen, und ich hoffe, dass sie jedem, der sie betrachtet, ein wenig Optimismus vermitteln können.“
Wenn die Arbeit den Bildschirm verlässt
Was ging Ihnen durch den Kopf, als Sie Ihre Kunst zum ersten Mal auf einem echten Skateboard-Deck anstelle eines Bildschirms sahen?
„Ehrlich gesagt, es war ein fantastisches Gefühl.“
„Meine Illustration in der realen Welt zu sehen, anstatt nur auf meinem iPad, ließ alles viel realer wirken. Es erinnerte mich daran, dass Illustration nicht auf einem Bildschirm bleiben muss – sie kann zu etwas werden, das Menschen tatsächlich in den Händen halten, benutzen und mit dem sie sich verbinden. Ich hoffe, es ist das erste von vielen solchen Projekten.“
Verändert die lange, schmale Form eines Decks Ihre Herangehensweise an eine Komposition?
„Nicht für diese Illustrationen! Ich wusste tatsächlich nicht, dass sie auf Skateboard-Decks landen würden, als ich sie erstellt habe.“
„Aber jetzt, wo ich gesehen habe, wie gut Illustrationen in diesem Format funktionieren können, weiß ich, dass ich bei zukünftigen Projekten die Form und Komposition des Decks von Anfang an berücksichtigen werde.“
Ihre Antwort ist die ehrlichere Version dessen, was andere Künstler umgekehrt sagen – Yehor Bread komponiert bewusst für die Form und nennt die Einschränkung einen Vorteil, während diese Illustrationen zuerst entstanden und das Format danach gefunden haben. Beides funktioniert, aus einem Grund, den die Geschichte der Deck-Grafiken erklärt: Charakterbasierte Arbeiten mit starken Konturen überleben das schmale Feld besser als fast alles andere.
Das eine, das sie in ihrem eigenen Zuhause aufgehängt hat
Von Ihren drei Decks bei uns – Reach the Sky, Proud Moment, Time of My Life – welches liegt Ihnen am meisten am Herzen, und welche Geschichte steckt dahinter?
„'Reach the Sky' liegt mir definitiv am meisten am Herzen – es ist auch das, das ich mir in mein eigenes Zuhause gehängt habe.“
„Es ist wahrscheinlich die Illustration, bei der ich mir am meisten Spaß mit winzigen Details erlaubt habe. Ich habe sie mit kleinen Aufklebern und Objekten gefüllt, die widerspiegelten, was zu dieser Zeit in meinem Leben passierte. Zum Beispiel gibt es einen winzigen Planetenaufkleber, weil ich ein Buch über den Weltraum gelesen habe, einen Zahnaufkleber, weil mein Weisheitszahn schmerzte (wahre Geschichte!), und sogar ein Modelogo, inspiriert von einer Marke, mit der ich kürzlich zusammengearbeitet hatte.“
„Als ich die Illustration zum ersten Mal teilte, verband ich sie mit dem Satz ‚Finde deinen eigenen Weg zum Himmel‘. Der Charakter fühlte sich wie ein Spiegelbild meiner selbst an, und ich wollte damit sowohl mich als auch jeden, der ihn betrachtet, ermutigen, ihren eigenen Weg zu ihren Träumen auf die authentischste Weise zu gehen.“
Das bedeutet, wenn Sie Reach the Sky an Ihre Wand hängen, hängen Sie auch einen Weisheitszahn, ein Buch über den Weltraum und einen kleinen privaten Witz auf. Schauen Sie genau hin.
Angst vor Farbe? Hab keine
Das ist die Frage, die wir am liebsten stellen wollten, denn wir hören die Zögerlichkeit ständig: Die Leute lieben mutige Kunst, geraten dann aber in Panik, sie an eine Wand zu bringen.
Was würden Sie jemandem sagen, der mutige Kunst liebt, sich aber unsicher fühlt, etwas so Farbiges an seine Wand zu hängen?
„Ganz ehrlich? Sie wären überrascht, wie viel weniger intensiv es sich anfühlt, sobald es tatsächlich an der Wand hängt (obwohl ich vielleicht nur daran gewöhnt bin, meinen eigenen Raum mit meiner Kunst zu dekorieren!).“
„Ich denke, diese Boards ziehen natürlich Menschen mit einer bestimmten Persönlichkeit an – Menschen, die keine Angst vor Farbe haben. Mein Gefühl ist, wenn diese Art von Kunstwerk Sie anspricht, werden Sie wahrscheinlich nicht zu viel darüber nachdenken. Sie werden einfach wissen, dass es das Richtige für Sie ist.“
Es entspricht dem, was wir in der Praxis sehen. Ein kühnes Stück wirkt in einem Raum fast immer ruhiger als auf einem Bildschirm, denn eine Wand gibt ihm Luft, Distanz und Kontext. Die Miniaturansicht schreit Sie aus zwanzig Zentimetern Entfernung an. Das Original ist auf der anderen Seite des Zimmers und hält eine Ecke eines Raumes zusammen.
Und ein Deck ist aus genau diesem Grund ein nachsichtiges Format. Es ist schmal. Es nimmt einen schlanken vertikalen Streifen ein, anstatt eine ganze Wand zu dominieren – so erhalten Sie die gesamte Persönlichkeit eines kühnen Kunstwerks mit einem Bruchteil der visuellen Präsenz. Wenn Sie mit der Idee von Farbe liebäugeln, ist ein einzelnes Deck der risikoarme Einstieg.
Ein praktischer Hinweis: Arbeiten, die aus flachen, hellen Farben bestehen, gehören auf eine helle Wand statt auf eine dunkle, da eine dunkle Wand genau den Kontrast absorbiert, von dem sie abhängt. Unser Farbleitfaden behandelt dies, und der Größenleitfaden enthält die Maße, bevor Sie sich an eine Wand binden.
Wo man sie findet
Hadars Citrus Rock Decks – Reach the Sky, Proud Moment und Time of My Life – sind auf kanadischem Ahorn der Klasse A gedruckt, matt und sofort aufhängbar.
Sie können ihre Arbeit auf Instagram unter @citrusr0ckk verfolgen oder weitere Projekte und Produkte unter citrusrock.store entdecken.
Danke, Hadar. 🍋
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