Yehor Bread: „Eine Einschränkung wird zum entscheidenden Vorteil“

Juli 2026 · Interview von Stanislav Arnautov · Berlin–Prag · 16 Min. Lesezeit

Liest man die fünf Decktitel zusammen, wird etwas offensichtlich.

Gute Nachrichten. Benutzerhandbuch. Elterliche Warnung. Mit freundlichen Grüßen. Ungefähre Berechnung.

Jeder davon ist eine Formulierung aus dem gewöhnlichen administrativen Leben – eine E-Mail-Grußformel, ein Warnhinweis, die Überschrift einer Bedienungsanleitung, eine Zeile aus einer Rechnung. Keiner davon ist die Art von Sprache, die die Kunst normalerweise anstrebt. Das ist der Punkt, und es ist der rote Faden, der sich durch alles Folgende zieht.

Arbeit mit verschiedenen Medien

Sie arbeiten mit visuellen Büchern, Illustrationen, Tätowierungen und Musik. Wie kamen Sie dazu, sich an der Grenze zwischen den Formen zu bewegen, anstatt sich auf eine einzige zu beschränken?

Ich habe schon sehr früh angefangen, Dinge zu machen. Als Teenager zogen mich Freunde zur Musik, aber damals dachte ich nicht viel darüber nach, was oder warum ich etwas tat. Ich zeichnete einfach gerne und lernte zu spielen.

Später, als ich meine Sichtweise bewusst entwickelte – durch Kultur und Gegenkultur, Philosophie, Reisen – stellte sich die Frage: Wer bin ich, wofür bin ich da, wohin gehe ich? Lange Zeit störte es mich, dass ich meine kreative Spezialisierung nicht benennen konnte. Dann merkte ich irgendwann, dass ich mich bei der Selbstdefinition einengte und genau die rauen Kanten abschnitt, die eine Person individuell machen.

Multidisziplinarität erwies sich als Feature, nicht als Bug. Was mich interessiert, ist, wie meine Sichtweise reagiert, wenn sich das Medium ändert. Jedes Mal entdeckt man sich neu: Man schaut sich eine Stickerei, ein Buch, eine Illustration, ein Tattoo oder ein Musikstück an und erkennt – so kann ich auch sein. Es ist eine Art Selbstporträt. Man bläst den Staub von einem Buch, und das Muster auf dem Cover wird deutlicher. Es ist eine faszinierende Beschäftigung, die sich selbst speist.

Wo ein Werk beginnt

Sie beschreiben, wie Sie den Moment suchen, in dem eine Emotion oder eine Erinnerung physische Form annimmt. Wie sieht das in der Praxis aus?

Das ist die interessanteste Frage in meiner Praxis, denn sie lässt sich schwer in Worte fassen oder rationalisieren. Ein Wirbelwind entsteht – ein seltsamer Salat aus Emotionen, Gedanken, Meinungen und Erfahrungen. Irgendwann verbindet sich alles, und einen Augenblick später zerfällt es in Fragmente. Wie ein Fleischwolf, der alles zu einem einzigen Brei zermahlt.

Ich würde es mit der Art vergleichen, wie Platon den kreativen Prozess beschrieb: Man ist ein Jäger, der seinem Tier hinterherläuft, und man muss es ermüden. Es nicht entkommen lassen, nicht loslassen, selbst wenn man es kaum berührt.

Von außen sehe ich wahrscheinlich aus wie eine amorphe Qualle, die mit glasigen Augen eine Wand anstarrt. Aber den Prozess vollständig zu beschreiben, ist selbst für mich schwierig. So banal es auch klingen mag, es hat wirklich etwas Mystisches, das sich einer verbalen Form entzieht.

Warum Worte

Ein Großteil Ihrer Arbeit besteht aus Text – GUTE NACHRICHTEN, BEDIENUNGSANLEITUNG, ELTERNWARNUNG. Warum Worte? Was kann ein Satz, was ein Bild nicht kann?

Text fungiert als zusätzliche Bedeutungsebene. Manchmal unterstützt er das Bild, manchmal lädt er dazu ein, es von einer völlig anderen Seite zu betrachten. So eröffnen sich unerwartet ironische, paradoxe Bedeutungen. Und manchmal erweist sich der Text als etwas völlig Banales – das ist seine Dualität.

Mir ist wichtig, einer Person nicht nur ein Bild, sondern eine Art System zu zeigen. So kann ein Werk aus Text, Bild, Texturen, Klängen, Fotografien, literarischen Einschüben und kulturellen Referenzen bestehen. Es verleiht Tiefe und erweitert den Interpretationsraum. Es ist ein großes Spiel: Indem man eine zusätzliche Anweisung einführt, gibt man ihr zusätzliche Ebenen.

Hier verdienen die fünf Decktitel einen zweiten Blick. Mit freundlichen Grüßen ist, wie man eine Nachricht an jemanden beendet, den man nicht gut kennt. Elternliche Warnung ist ein Etikett, das etwas Ungeeignetem angebracht wird. Ungefähre Berechnung ist, wie eine Schätzung genannt wird, wenn niemand sich auf eine Zahl festlegen will. Benutzerhandbuch geht davon aus, dass es eine korrekte Bedienungsweise gibt.

Jede Phrase trägt eine ganze Tonart in sich – höflich, bürokratisch, warnend – und keiner dieser Töne gehört zum darunter liegenden Bild. Die Kluft zwischen beiden ist das Werk.

Krim, und was geblieben ist

Sie stammen von der Krim und leben jetzt in Prag. Was von diesen Wurzeln speist Ihre Arbeit noch immer?

Ich habe in vielen Städten gelebt und bin viel per Anhalter gereist, immer mit einem Gefühl von Heimat im Gepäck. Es war ein mentaler Rucksack, der eine umhüllende Wärme enthielt. Etwa zwanzig Jahre lang lebte ich an einem Ort, wo sowohl das Meer als auch die Berge zu Fuß erreichbar waren. Jeder, der auf der Krim gelebt hat, kennt dieses seltsame Gefühl: Unaufgeregtheit, das Gefühl, dass das Leben unendlich ist. Man braucht nichts. Alles, was man braucht, ist bereits da – Berge, Wacholder, heiße Meeresluft, Gleichgesinnte und Gleichgültigkeit gegenüber der Zeit.

Wir machten jeden Tag Musik: improvisierten, traten auf der Straße auf, gaben Konzerte. Einmal pro Woche versuchte ich, per Anhalter irgendwohin zu fahren, ohne ein bestimmtes Ziel. Wie ein Freund von mir es damals formulierte: „Ausruhen, ohne müde zu werden“. Es war ein abenteuerliches Leben, wie aus dem Bilderbuch.

Wichtig ist auch, dass ich fast seitdem ich laufen konnte, Ski und Snowboard fahre. Ab etwa zehn Jahren zog mich mein älterer Bruder zu Snowboardpartys und Wettbewerben mit. Dieses Gefühl von Drive, Jugend und Rücksichtslosigkeit packte mich damals. Erst fünfzehn Jahre später verstand ich, dass das Fundament meiner Weltanschauung genau in diesem Moment gelegt wurde. Ich denke, die Wünsche und die Weltanschauung der Kindheit bilden die Grundlage eines Menschen. Danach ist es eine Frage für den Erwachsenen: Versteht er, wie es ihn immer noch beherrscht, und kann er nach dem handeln, was er als Kind wollte?

Musik und Bild

Psychedelische Musik und bildende Kunst – wie hängen sie in Ihrem Kopf zusammen?

Sowohl in der visuellen als auch in der musikalischen Arbeit geht es mir darum, einen einzigen Zustand zu vermitteln. Es sind verschiedene Medien mit einer Idee: etwas zu erzählen, das keine Form hat. Über das, was vor der Form kommt.

Kreative Arbeit muss nicht schön oder wohlgeordnet sein, aber sie muss von etwas handeln. Sie braucht nicht immer eine verständliche Form. Manchmal ist sogar hässliche Kunst schöne Kunst.

Wir erkennen uns nicht, indem wir in einen Spiegel schauen. Die wahrhaftigste Methode ist, Dinge zu erschaffen. Das ist der wahre Spiegel eines Menschen.

Chromatische Aberration, verzweigte Netzwerke, Insektenanatomie – das visuelle Äquivalent dessen, was er als einen Zustand statt als ein Thema beschreibt.

Das Deck als Einschränkung

Was empfanden Sie, als Sie Ihre Arbeit auf einem echten Deck sahen und nicht auf einem Bildschirm oder Papier?

Das ist eines der Dinge, die mich am meisten antreiben. Zuerst ist da der Gedanke, ein Projekt zu machen, und einige Zeit später hält man das Produkt in Händen, an dem man gearbeitet hat. Es ist die Materialisierung des eigenen Denkens.

Mehr noch, es ist etwas, das Menschen benutzen und beim Anblick etwas empfinden. Als ich meine erste Zusammenarbeit mit einem Skateboard-Team hatte, war es eine kindliche, unverhohlene Freude. Es war besonders schön, Boards mit meinen Prints in den Händen von Menschen zu sehen, die ich nicht kannte. Dieses Gefühl überdeckt mehr als alle Nachteile, die in jedem Beruf existieren.

Das Deck ist schmal, vertikal, eigensinnig. Hat es Ihre Art, eine Komposition aufzubauen, verändert?

Dies ist der Fall, wo eine Einschränkung zum führenden Vorteil wird. Ich arbeite gerne an Projekten mit strengen Einschränkungen hinsichtlich Format, Farbe oder Idee. Eine Einschränkung gibt dem kreativen Ansatz einen enormen Schub, weil sie dazu zwingt, das Nicht-Offensichtliche zu finden. Wenn alle Möglichkeiten zur Verfügung stehen, kann der kreative Impuls buchstäblich ins Stocken geraten. Das schmale Boardformat ist bereits eine sehr harte Ausgangsbeschränkung. Man muss mit dem Vorhandenen arbeiten und die Antwort unter engen, manchmal unangenehmen Bedingungen finden.

Es wird zu einem Spiel und einer persönlichen Herausforderung, fast einem Duell. Entweder du packst es oder es packt dich. Aber du weißt, dass es keine Chance hat. Was bleibt, ist, ein paar Versuche durchzuleben und herauszufinden, auf welche Weise du es endlich besiegst.

Diese Antwort ist es wert, darüber nachzudenken, denn sie beschreibt von innen, was dieser Blog von außen argumentiert hat. Skateboard-Grafiken wurden immer für das Board komponiert und nicht daran angepasst, was ein Grund dafür ist, dass das Format seit fünfzig Jahren so unverwechselbare Arbeiten hervorgebracht hat – die Geschichte der Deck-Grafiken behandelt dies. Eine Reproduktion eines rechteckigen Gemäldes muss sich mit der Form arrangieren. Arbeiten, die dafür gemacht wurden, müssen das nicht.

Das, zu dem er immer wieder zurückkehrt

Welches Ihrer Decks liegt Ihnen am nächsten, und warum?

In jedem Deck habe ich versucht, ein separates grafisches und semantisches System aufzubauen. Aber das Board mit dem Lächeln und den Worten „War es gut genug?“ scheint mir das interessanteste. Dramaturgisch. Darin schaffen die visuellen und textuellen Ebenen eine zusätzliche literarische Linie. Eine Frage taucht auf: Was ist diesem Menschen widerfahren, warum ist ein Zahn ausgeschlagen, warum sind die Lippen bemalt, warum lächelt er so beunruhigend, und warum fragt er, ob es gut genug war? Es gibt die Tatsache einer Handlung und eine abschließende Frage, aber keinen Anfang der Geschichte. Diese Unvollständigkeit lässt Raum für Interpretation: ein Kampf, Sex, ein absurder Vorfall. Das Werk sagt uns sofort, dass ein Ereignis stattgefunden hat, und gleichzeitig sagt es uns nichts darüber.

Dieses Deck entstand aus einer anderen Zusammenarbeit und ist nicht im Deckarts-Katalog enthalten – aber der Mechanismus, den er beschreibt, ist genau der, auf dem die fünf hier gezeigten Decks basieren.

Über das Zögern

Ihre Arbeit ist konzeptionell und im üblichen Sinne nicht dekorativ. Was würden Sie jemandem sagen, der ein Stück mag, aber zögert, etwas so Ungewöhnliches an seine Wand zu hängen?

Ich würde nichts empfehlen. Wenn eine Person zweifelt, ist sie höchstwahrscheinlich nicht bereit. Ich werde niemanden überzeugen, und es ist für mich in Ordnung, dass manche Leute nicht ganz verstehen, was ich mache.

Jedes Produkt wird seinen einen Menschen und drei Menschen finden, die es nicht verstehen. Man kann sich breiter verständlich machen, aber dafür muss man in Klischees, Pop und Massenmarktprodukte abgleiten. Das ist es, was ich am wenigsten will. Deshalb bin ich den Menschen und Teams dankbar, die schätzen und unterstützen, was ich tue. Ich mache ziemlich Nischenkunst, und genau darin liegt ihr Wert: Sie funktioniert als Filter. Und das ist gut so.

Ein Filter, so sagt er, sei ein Werk, das nicht jedem gefallen wolle.

Jenseits der Decks

Die fünf Decks sind ein Ergebnis einer viel breiteren Praxis, und das Archiv stellt die Verbindung zu dem her, was er über Philosophie sagte.

Zwei seiner Archivillustrationen entnehmen ihre Titel direkt Nietzsche. Jenseits von Gut und Böse (2022) baut seine Komposition um eines der bekanntesten Aphorismen auf und setzt es gegen ein Feld von verzweigten orangefarbenen Knoten und eine scharfkantige Chrysantheme. Menschliches, Allzumenschliches (2022) nimmt den anderen Titel und bevölkert ihn mit einem klassischen Marmortorso, einem grün-gesichtigen Mann, einem roten Skelett, einem blauen Papagei und einem Widder – ein Katalog dessen, was der Ausdruck umfassen könnte.

Dies ist dasselbe Prinzip wie bei den Decks, nur in größerem Maßstab. Ein entlehnter Satz bringt sein eigenes Gewicht mit sich – in diesem Fall anderthalb Jahrhunderte Philosophie – und das darunterliegende Bild illustriert ihn weder, noch ignoriert es ihn. Die Reibung ist der Inhalt.

Nicht alles davon ist spielerisch.

Ein Narr in orange-gelben Streifen, mit Totenkopfgesicht, eine Flagge in der einen Hand haltend und einen gelben Ballon nachziehend, steht über drei Worten in riesiger Schrift: KRIEG TERROR GEWALT. Das Datum darauf ist Februar 2024. Der Künstler stammt von der Krim. Das Bild erklärt sich nicht von selbst und muss es auch nicht.

Die Praxis erstreckt sich auch auf gedruckte Bücher und Arbeiten im architektonischen Maßstab – eine begehbare Installation, die im Juni 2024 gezeigt wurde, deren Wände von Rand zu Rand mit Schwarz-Weiß-Collagen bedeckt waren: ein Wolf, eine Venus, geometrische Überlagerungen, QR-Codes, die zu seiner Musik verlinken.

Wo man seine Werke findet

Die visuellen Arbeiten leben hauptsächlich auf Instagram und Behance.

Für Musik beherbergt SoundCloud das Archiv – Live-Sets, Jams und psychedelische Skizzen, von denen viele nie eine endgültige Form erreichten. Die fertigen Veröffentlichungen sind auf Spotify, Apple Music und YouTube Music zu finden.

Wohin diese Decks gehören

Dies sind Statement-Pieces in dem Sinne, wie der Leitfaden für zeitgenössische und Pop-Art den Begriff verwendet: textbasiert, kontrastreich, auf den ersten Blick lesbar. Das bedeutet, sie wollen eine Wand für sich allein, anstatt einen Platz in einer Gruppe. Neben bildender Kunst aufgehängt streiten sie sich damit; allein an einer schmalen Wand aufgehängt tun sie genau das, wofür sie gedacht sind.

Sie gehören auch an eine helle Wand statt an eine dunkle. Wie alle Grafikarbeiten mit flacher Farbe sind sie auf Kontrast angewiesen, den die Wand nicht absorbieren sollte – der Farbleitfaden erklärt, warum Epoche und Konstruktion wichtiger sind als die Palette. Größen und Montage werden im Größenleitfaden und im Montageleitfaden behandelt.

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Interview in ukrainischer Sprache geführt und zur Veröffentlichung übersetzt. Die Antworten stammen von Yehor Bread selbst; nur in Länge und Klarheit bearbeitet. Artwork © Yehor Bread.