Interview · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 8 Min. Lesezeit
Die meisten Menschen möchten, dass Kunst an ihrer Wand schön ist. Stefano Borella zieht es vor, wenn sie eine Diskussion auslöst.
Der italienische Illustrator – besser bekannt als SteBore – zeichnet Nonnen mit schwarzen Sonnenbrillen und Goldzähnen, einen Geier, der den Mittelfinger hebt, und Figuren mitten im Schrei. Seine Arbeit ist in etwa gleichem Maße lustig und verstörend, und er entschuldigt sich überhaupt nicht für Letzteres. Vier seiner Werke zieren jetzt Ahorn-Decks von deckarts.
Wir haben ihn gefragt, warum Unbehagen der Punkt ist. (Unser Interview mit Citrus Rock handelte davon, Farbe in die Welt zu bringen. Dieses hier geht in die andere Richtung.)
Von Tätowiernadeln zur bildenden Kunst
Du bist umgeben von Bleistiften, Keramiken und Skulpturen aufgewachsen. Wie bist du zu dem rohen, grafischen Stil gekommen, den du jetzt hast?
„Der Stil, den ich heute habe, ist hauptsächlich das Ergebnis der Arbeitserfahrungen, die ich im Laufe der Jahre machen durfte: Grafikagenturen, Verlagswesen und sogar ein Tattoo-Studio. Letzteres hat der Art und Weise, wie ich zeichne, wirklich eine konkrete Wendung gegeben.
Schwarz-Weiß war damals das, was ich brauchte, um Tattoos zu machen, die einfach auszuführen, aber im Endergebnis immer noch effektiv waren. Irgendwann habe ich das Tätowieren aufgegeben, weil es mir nicht die expressive Freiheit gab, die ich später in der bildenden Kunst gefunden habe."
Das erklärt vieles. Die dicken Umrisse, die flachen Schwarzflächen, die Art und Weise, wie eine Figur sofort von der anderen Seite des Raumes aus erkannt wird – das ist Tattoo-Logik, die immer noch unter der Arbeit liegt.
„Ich bin einfach so gebaut"
Deine Arbeit wird oft als tragikomisch beschrieben – Chaos, Ironie und Zerbrechlichkeit auf einmal. Was zieht dich immer wieder zu dieser Mischung zurück?
„Ich würde es nicht so sehr als eine Anziehung zu diesen Themen bezeichnen, sondern eher als eine Frage der Persönlichkeit. Ich bin einfach so gebaut. Ich kann nicht anders, als zu sehen, wie tragisch und wunderbar ironisch alles ist.
So wie wenn wir uns im Raum als der coolste Mensch fühlen, aber einen Popel von der Größe eines Arms aus der Nase hängen haben. Oder wenn wir uns sagen: „Alles wird gut" und fünf Sekunden später trifft uns das Leben wie ein Lastwagen. Oder wenn wir uns wie Gott fühlen, aber uns selbst in unserer eigenen Intimität nicht verstehen können.
Wenn ich kann, versuche ich, darüber zu lachen – so tut das Groteske nicht weh, es wird zu einer Möglichkeit, sich mit jemand anderem zu verbinden. Die Art, wie ich Dinge darstelle, ist im Grunde die Darstellung meiner eigenen Weltanschauung."
Was Unbehagen kann, was Schönheit nicht kann
Vieles deiner Kunst ist bewusst unangenehm. Was kann Unbehagen, was Schönheit nicht kann?
„Haha, tolle Frage! Unbehagen entblößt dich sofort.
Du bist in einem Aufzug mit fünf anderen Leuten und jemand lässt einen fahren. Du kannst der coolste Mensch der Welt sein, aber diese ganze Fassade, die du aufgebaut hast, um als der Beste der Besten auszusehen, bricht einfach zusammen. Entweder du versuchst, sie auf lächerliche Weise aufrechtzuerhalten – was das Unbehagen im Raum noch schlimmer macht und dich im Grunde entlarvt – oder jeder schaut einfach leise den Nächsten schief an, selbst wenn diese Person zufällig der Präsident der Vereinigten Staaten wäre.
Unbehagen bringt alle ins gleiche Boot. Es macht alle verletzlich. Aber andererseits kann man dieses Unbehagen auch reiten und es in Komödie verwandeln – und das ist für mich der Moment, in dem man gewonnen hat."
„Unbehagen bringt alle ins gleiche Boot. Es macht alle verletzlich."
Hinter der Nonne
Nonnen mit schwarzen Sonnenbrillen und Goldzähnen. Ein Geier, der den Mittelfinger zeigt. Woher kommen diese Charaktere?
„Diese Charaktere sind meine Art, größere Themen zu umschreiben. Auch hier, hinter der Rolle der „Nonne", stehen Menschen, die begehren, die starke Leidenschaften fühlen, die sich ärgern. Das ist auch tragikomisch.
Offensichtlich, da ich derjenige bin, der sie zeichnet, repräsentieren sie das, was in meinem Kopf vorgeht – das ist meine Erklärung. Die Schönheit von Kunst und Symbolen ist, dass sie jedem Menschen seine eigene Wahrheit erzählen, basierend auf seinen persönlichen Erfahrungen. Diese Charaktere müssen also nicht unbedingt das sagen, was ich sage."
Eine aufblasbare Puppe, die Seifenblasen bläst
„I Would Like to but I Can't." – dieser Titel fühlt sich schmerzlich menschlich an. Welche Geschichte steckt dahinter?
„Dieses Werk ist Teil der Serie IT'S NOT ALL ABOUT SEX und teilt dasselbe Konzept. Alle Werke dieser Serie verbinden Begehren mit dem Wesen dessen, wer wir sind.
Manchmal denken wir, wir wollen Dinge, Situationen, die uns eigentlich nicht gehören – die nicht wirklich für unsere Persönlichkeit bestimmt sind. Ich denke, diese Frustration wird gut durch die sinnlose Anstrengung einer aufblasbaren Puppe eingefangen, die versucht, Seifenblasen zu blasen."
Was, wenn man sich damit auseinandersetzt, eine der besseren Beschreibungen dafür ist, das Falsche zu wollen, die wir gehört haben.
Mehr Italien, als er selbst merkt
Wie zeigt sich das Leben und Arbeiten in Italien in deinen Werken?
„Ich denke, in meinen Werken steckt mehr Italien, als ich selbst merke. Die Nonnen sind das klarste Beispiel dafür, wie die katholische Kultur in meinen Zeichnungen zum Vorschein gekommen ist.
Ältere Menschen, Großmütter, Tiere aus ländlichen Umgebungen – ich lebe in einer landwirtschaftlichen Provinz – all das sind Teile meines früheren und gegenwärtigen Lebens. Ich bin mir sicher, dass selbst die harmloseste, beiläufige Zeichnung ein Stück dessen trägt, der sie gemacht hat."
Der Inline-Skater, der immer von der Seite zusah
Was ging dir durch den Kopf, als du deine Arbeit zum ersten Mal auf einem echten Skateboard-Deck sahst?
„Meine Kunst auf einem Skateboard zu sehen, ist eine riesige Genugtuung, denn die Street Culture ist ein lebendiger Teil meiner Identität.
Ehrlich gesagt, habe ich jahrelang aggressiv Inline-Skates gefahren und das Skateboarding immer aus der Ferne bewundert. Ich hatte immer das Gefühl, dass die beiden Welten Komplizen waren. Es war Liebe auf den ersten Blick."
Deine Figuren sind hochgewachsen, langgezogen, konfrontativ – sie scheinen fast wie für diese vertikale Form gemacht. Zufall?
„Ich neige zu vertikalen Kompositionen, daher hat die Anordnung sofort gepasst."
Das ist bemerkenswert, denn es ist dasselbe, was jeder Künstler, den wir interviewt haben, letztendlich mit eigenen Worten sagt. Werke, die für das Deck komponiert sind, sitzen anders darauf als Werke, die darauf adaptiert wurden – die Geschichte der Deckgrafiken erklärt, warum das seit fünfzig Jahren so ist.
Von deinen vier Decks bei uns, welches liegt dir am meisten am Herzen?
„Spontan würde ich 3 Sisters sagen – einfach weil ich finde, dass der Nonnencharakter wirklich gut gelungen ist."
„Noch besser, wenn jemand sie kritisiert"
Das war die Frage, die wir am meisten stellen wollten. Kühne Kunst ist auf einem Bildschirm leicht zu lieben und viel schwieriger an einer Wand anzubringen – besonders wenn es sich um einen Vogel mit ausgestrecktem Mittelfinger handelt oder ein Deck, das einfach FUCK THIS WAY liest.
Würdest du provokante Kunst in deinem eigenen Wohnzimmer aufhängen? Was würdest du jemandem sagen, der deine Arbeit liebt, aber sich Sorgen macht, was seine Gäste denken?
„Gehen wir von der Idee aus, dass ein „gewöhnliches" Kunstwerk – eines, das nie zu einem kulturellen Symbol wurde – immer noch eine gute Zeichnung ist und bleibt.
Dennoch ist es für mich unglaublich, wenn ein an der Wand hängendes Werk mehr tut, als nur Platz zu füllen: wenn es einen Kommentar, sogar ein „Das ist ekelhaft!", hervorrufen und auch nur eine winzige Debatte eröffnen kann.
In meinem Heimstudio bin ich von meinen eigenen Werken umgeben, und mit diesen Stücken bin ich immer im Frieden, in Harmonie. Aber es ist schön, wenn jemand sie schätzt – und noch besser, wenn jemand sie kritisiert. Das ist immer ein Grund für ein echtes Gespräch."
„Es ist schön, wenn jemand sie schätzt – und noch besser, wenn jemand sie kritisiert."
Das ist eine nützliche Denkweise beim Kunstkauf im Allgemeinen. Das meiste, was an den meisten Wänden hängt, wird genau so ausgewählt, dass niemand etwas dazu sagt: harmlos, farblich abgestimmt, sicher. Es füllt den Raum und verschwindet dann.
Ein Stück mit Zähnen bewirkt das Gegenteil. Es gibt den Menschen etwas, worauf sie reagieren können, sobald sie eintreten – und ein Raum, in dem Gäste etwas zu besprechen haben, ist im Großen und Ganzen ein besserer Raum. (Wenn Sie neu im Format sind, finden Sie in unserem Leitfaden zu Skateboard-Wandkunst Informationen zu Größen, Formaten und zur Aufhängung.) Wenn Sie um ein mutiges Stück herumgeschlichen sind und gezögert haben, ist dieses Zögern normalerweise das Zeichen dafür, dass das Kunstwerk tatsächlich etwas bewirkt.
Es lohnt sich, einen praktischen Hinweis hinzuzufügen, da es sich um Statement-Pieces im strengsten Sinne handelt: Sie wollen eine Wand für sich allein, anstatt einen Platz in einer Gruppe, und sie gehören an eine helle Wand statt an eine dunkle. Der Farb指南 erklärt warum.
Wo man ihn findet
Stefanos vier Decks – Duck You, 3 Sisters, For the Future? und I Would Like to but I Can't. – sind auf hochwertigem kanadischem Ahorn gedruckt, matt und sofort aufhängbar.
Man findet ihn auf Instagram, TikTok, Pinterest und Giphy – einfach nach @stebore91 suchen.
Vielen Dank, Stefano. 🖤
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