Die Geschichte der Skateboard-Deck-Grafiken: Wie das Board zur Leinwand wurde

Zuletzt aktualisiert: Juli 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin · 14 Min. Lesezeit

Die meisten Berichte über Deck-Grafiken beschreiben Jahrzehnte, ohne jemanden namentlich zu nennen. Dieser hier nennt die Personen, denn die Details machen die Geschichte erzählenswert.

Die leeren Jahre

Die ersten Skateboards waren improvisiert. Im Südkalifornien der 1950er Jahre nahmen Surfer die Achsen und Räder von Rollschuhen und nagelten sie auf Bretter – der Sinn war, zu fahren, wenn die Brandung flach war, und es gab keinen Grund, etwas zu dekorieren.

Kommerzielle Boards folgten Anfang der 1960er Jahre, aber die Räder waren aus Ton oder Stahl, die Fahrt war gefährlich, und der erste Boom brach um 1965 fast so schnell zusammen, wie er begonnen hatte. Für ungefähr ein Jahrzehnt war das Skateboarden als Industrie fast tot. Nichts wurde auf die Unterseite eines Boards gedruckt, weil es kaum ein Board-Geschäft gab, von dem man sprechen konnte.

Das Rad, das alles neu startete

Die Wiederbelebung kam von einem Material, nicht von einem Design. Anfang der 1970er Jahre begann Frank Nasworthy Polyurethan-Räder zu verkaufen – als Cadillac Wheels vertrieben – und sie veränderten, was ein Skateboard leisten konnte. Urethan haftete, rollte über unebenen Untergrund und rutschte nicht so unter dem Fahrer weg wie Ton.

Skaten wurde machbar, dann populär, und eine Industrie baute sich darum herum neu auf. Santa Cruz Skateboards wurde 1973 gegründet. Powell-Peralta folgte später im Jahrzehnt, als George Powell eine Partnerschaft mit dem Skater Stacy Peralta einging. Nun existierten Unternehmen, die sich differenzieren mussten – und die flache Unterseite des Boards war die einzige verfügbare Fläche.

Wes Humpston und die ersten Grafiken

Die Person, der am häufigsten zugeschrieben wird, diese Oberfläche in eine Leinwand zu verwandeln, ist Wes Humpston. In der Dogtown-Szene in Venice und Santa Monica in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre zeichnete er von Hand auf die Unterseiten von Boards – Kreuze, Schriftzüge, dichte Linienführung – zuerst für sich und Freunde, dann als Identität von Dogtown Skates.

Die Bedeutung liegt darin, dass die untere Grafik zuvor entweder nichts oder ein Logo war. Humpston behandelte es als Zeichenfläche, und die Idee setzte sich sofort durch. Innerhalb weniger Jahre hatte jedes Unternehmen von einiger Größe jemanden, der dasselbe tat, und die Unterseite eines Decks war zum sichtbarsten Designelement im Skateboarden geworden – denn das ist es, was das Publikum sieht, wenn ein Board in der Luft ist.

Die 1980er Jahre: VCJ und Jim Phillips

Zwei Künstler dominieren das Jahrzehnt, und ihr Werk ist vierzig Jahre später immer noch im Umlauf.

Vernon Courtlandt Johnson, meist als VCJ bezeichnet, schuf die visuelle Identität von Powell-Peralta. Seine Schädel-und-Schwert-Symbolik, der geflügelte Reaper und die Pro-Modell-Grafiken für die Bones Brigade-Fahrer brachten heraldische, gotische und skelettartige Bilder Jahre vor deren Aufnahme in das Mainstream-Design in den Massenumlauf unter Teenagern. Die Zeichnungen sind dicht, symmetrisch und stark auf Schwarz fokussiert – konzipiert, um aus der Ferne auf einem sich bewegenden Board erkennbar zu sein.

Jim Phillips leistete das Äquivalent bei Santa Cruz, in einem völlig anderen Register: hell, laut, comic-basiert, näher an Hot-Rod- und Monster-Magazin-Illustrationen als an Heraldik. Seine 1985 gezeichnete "Screaming Hand" hat den Kontext, für den sie geschaffen wurde, überdauert und ist heute eines der am häufigsten reproduzierten grafischen Bilder der Ära – auf weitaus mehr Hemden und Aufklebern als auf Skateboards gedruckt.

Beide waren kommerzielle Illustratoren für ein Sportartikelunternehmen. Keiner agierte in einem Kunstkontext. Genau deshalb ist das Werk so seltsam, wie es ist.

Warum Decks so seltsame Kunst trugen

Das ist der Teil, der meist weggelassen wird, und er erklärt alles andere.

Ein Deck ist ein Verbrauchsgut. Es nutzt sich ab, delaminiert oder bricht, und ein Skater, der regelmäßig fährt, ersetzt ständig Boards. Diese einzige Tatsache trieb die gesamte visuelle Kultur an.

Da Boards verschleißen, verkauften Unternehmen auf wiederkehrenden Kauf. Da ein Deck aus einer Fabrik physisch einem Deck aus einer anderen sehr ähnelt, gab es fast nichts, womit man konkurrieren konnte, außer der Grafik. Und da die Kunden Teenager waren, die Seltsamkeit belohnten, anstatt eines Kundenkomitees, das sie bestrafte, wurde die Kunst in ein Gebiet gedrängt, das kein gewöhnliches Konsumprodukt berühren würde – Schädel, okkulte Symbole, Gore, Blasphemie, Witze mit schlechtem Geschmack.

Es gab keine Galerie, die man zufriedenstellen musste, und keine Markensicherheitsprüfung. Skate-Grafiken dieser Periode sind eine der wenigen großen kommerziellen Illustrationssammlungen, die unter fast keinen Einschränkungen entstanden sind, weshalb sie immer noch einzigartig aussehen.

Die 1990er Jahre: Kleinere Boards, schärfere Witze

Street-Skating verdrängte in den späten 1980er und frühen 1990er Jahren Vert, und die Boards änderten ihre Form entsprechend – schmaler, symmetrischer, mit der heute noch üblichen Twin-Tip-Kontur. Auch die Grafiken änderten sich.

Steve Roccos World Industries, 1987 gegründet, gab den Ton an: Grafiken, die Firmenlogos parodierten, rivalisierende Unternehmen verspotteten und absichtlich Anstoß erregten, vieles davon von Marc McKee gezeichnet. Einiges davon ist schlecht gealtert, und einiges war damals schon unvertretbar. So oder so bewegte sich die Deck-Kunst weg von der Illustration als Dekoration hin zu Grafiken als Kommentar.

Am anderen Ende brachte Girl Skateboards – 1993 mit Andy Jenkins und Evan Hecox als Gestalter des Looks gegründet – gestalterische Zurückhaltung in denselben Markt: sauberere Typografie, durchdachte Layouts, eine Ästhetik, die eher dem Grafikdesign der Mitte des Jahrhunderts als Monster-Comics entlehnt war.

Das Deck als Sammlerstück und Ausstellungsstück

Ab den 2000er Jahren geschahen zwei Dinge.

Decks wurden zu Sammlerobjekten. Originale Powell-Peralta- und Santa Cruz-Boards aus den 1980er Jahren, insbesondere unbenutzte, gelangten auf einen ernsthaften Sekundärmarkt. Supremes langjährige Künstlerkollaborationen produzierten Decks, die fast von Anfang an zum Sammeln und nicht zum Fahren gekauft wurden, und eine vollständige Sammlung davon wurde 2019 von Sotheby's versteigert – das deutlichste Zeichen dafür, dass die Objekte die Kategorie Sportartikel vollständig verlassen hatten.

Skater entpuppten sich als Künstler. Ed Templeton, der Toy Machine gründete, stellt seit Jahrzehnten international Malerei und Fotografie aus. Die Ausstellung von 2004 und die spätere Dokumentation Beautiful Losers versammelten eine Gruppe von Künstlern, die aus der Skate- und Streetkultur und nicht aus der Kunstschule stammten, und stellte die Verbindung explizit her.

Das Deck war zu diesem Zeitpunkt ein anerkanntes Format für Künstler zum Arbeiten und ein anerkanntes Objekt, das man an die Wand hängen konnte.

Wo Wandkunst-Decks ihren Platz finden

Decks, die speziell als Wandkunst gefertigt werden, sind eine spätere und andere Entwicklung, und es lohnt sich, den Unterschied klar herauszustellen, anstatt ihn zu verwischen.

Ein gesammeltes Powell-Peralta-Board von 1985 ist ein historisches Objekt: Es wurde zum Fahren hergestellt, trägt eine dafür gezeichnete Grafik, und sein Wert ergibt sich aus Herkunft und Seltenheit. Ein heute als Wandkunst gedrucktes Deck ist das nicht. Es ist ein neuer Rohling, der als Trägermaterial verwendet wird, weil Proportion und Material für die Aufgabe geeignet sind.

Was sich überträgt, ist der Grund, warum das Format überhaupt funktioniert. Skateboard-Künstler haben immer für ein schmales vertikales Feld mit abgerundeten Enden komponiert, anstatt rechteckige Bilder daran anzupassen, und sie haben auf Lesbarkeit aus der Ferne und in Bewegung geachtet. Das sind dieselben Anforderungen wie bei einer Wand quer durch einen Raum.

Der deckarts-Katalog führt diese Oberfläche in zwei Richtungen: Reproduktionen von Gemälden im Public Domain, behandelt in den Leitfäden zu Renaissance, Japanischer Kunst, Van Gogh, Klimt und moderner Kunst; und originelle zeitgenössische Designs, behandelt im Leitfaden zu zeitgenössischer und Pop-Art, der der oben beschriebenen grafischen Tradition am nächsten kommt.

FAQ

Wann bekamen Skateboards zum ersten Mal Grafiken?

Mitte bis Ende der 1970er Jahre. Boards der 1950er und 1960er Jahre waren schlicht, und die Industrie verschwand fast, nachdem der erste Boom um 1965 zusammenbrach. Die Wiederbelebung kam mit Frank Nasworthys Polyurethanrädern Anfang der 1970er Jahre, die das Skaten ausreichend praktikabel machten, damit Unternehmen sich neu aufbauen konnten – Santa Cruz wurde 1973 gegründet, Powell-Peralta später in diesem Jahrzehnt. Wes Humpston, der in der Dogtown-Szene in Venedig und Santa Monica arbeitete, wird am häufigsten zugeschrieben, die Unterseite des Boards von einem Ort für Logos in eine Zeichenfläche verwandelt zu haben, indem er Kreuze und dichte Linien zuerst für Freunde und dann als Identität von Dogtown Skates handgezeichnete. Die Idee verbreitete sich fast sofort, da die Unterseite eines Decks das sichtbarste Designstück im Skateboarden ist – es ist das, was jeder sieht, wenn das Board in der Luft ist.

Wer waren die wichtigsten Skateboard-Grafikdesigner?

Zwei Namen dominieren die 1980er Jahre. Vernon Courtlandt Johnson, bekannt als VCJ, schuf die visuelle Identität von Powell-Peralta, einschließlich des Schädel-und-Schwert-Motivs und des geflügelten Reapers, und brachte heraldische, gotische und skelettartige Bilder Jahre vor deren Aufnahme in das Mainstream-Design in den Massenumlauf unter Teenagern. Jim Phillips leistete das Äquivalent bei Santa Cruz in einem völlig anderen Register – hell, laut und comic-basiert, näher an Hot-Rod- und Monster-Magazin-Illustrationen – und seine 1985 gezeichnete "Screaming Hand" ist zu einem der am häufigsten reproduzierten grafischen Bilder der Ära geworden. Zuvor etablierte Wes Humpston die Praxis selbst. In den 1990er Jahren trieb Marc McKees Arbeit für World Industries Grafiken in Richtung Parodie und Provokation, während Andy Jenkins und Evan Hecox gestalterische Zurückhaltung zu Girl Skateboards brachten.

Warum durfte Skateboard-Kunst so seltsam sein?

Aufgrund der wirtschaftlichen Funktionsweise des Produkts. Ein Deck ist ein Verbrauchsgut – es nutzt sich ab, delaminiert oder bricht, und ein regelmäßiger Skater ersetzt ständig Boards – daher verkauften Unternehmen auf wiederkehrenden Kauf. Da ein Deck aus einer Fabrik physisch einem Deck aus einer anderen sehr ähnelt, gab es fast nichts, womit man konkurrieren konnte, außer der Grafik. Und die Kunden waren Teenager, die Seltsamkeit belohnten, anstatt eines Kundenkomitees, das sie bestrafte. Es gab keine Galerie, die man zufriedenstellen musste, und keine Markensicherheitsprüfung, was die Arbeit in ein Gebiet drängte, das kein gewöhnliches Konsumprodukt berühren würde: Schädel, okkulte Symbole, Gore und absichtliche Provokation. Skate-Grafiken dieser Periode sind eine der wenigen großen kommerziellen Illustrationssammlungen, die unter fast keinen Einschränkungen entstanden sind, weshalb sie immer noch einzigartig aussehen.

Ist ein Wandkunst-Deck dasselbe wie ein Sammler-Skateboard?

Nein, und der Unterschied sollte klar herausgestellt werden. Ein originales Powell-Peralta- oder Santa Cruz-Board aus den 1980er Jahren ist ein historisches Objekt: Es wurde zum Fahren hergestellt, trägt eine dafür gezeichnete Grafik und leitet seinen Wert aus Herkunft und Seltenheit ab, weshalb solche Boards auf einen ernsthaften Sekundärmarkt gelangten und Sotheby's 2019 eine vollständige Sammlung von Supreme-Decks versteigerte. Ein heute als Wandkunst gedrucktes Deck ist etwas anderes – ein neuer Rohling, der als Trägermaterial verwendet wird, weil Proportion und Material für die Aufgabe geeignet sind. Es ist kein historisches Artefakt und steigt nicht im Wert. Was sich aus der Tradition überträgt, ist die kompositorische Logik: Skateboard-Künstler entwarfen immer für ein schmales vertikales Feld mit abgerundeten Enden und für Lesbarkeit aus der Ferne, was dieselben Anforderungen sind wie bei einer Wand, die man quer durch einen Raum sieht.

Artikelzusammenfassung

Skateboards waren in den 1950er und 1960er Jahren schlicht, und die Industrie brach um 1965 fast zusammen, bevor Frank Nasworthys Polyurethanräder das Skaten Anfang der 1970er Jahre wieder praktikabel machten, was es Unternehmen wie Santa Cruz im Jahr 1973 und Powell-Peralta später in diesem Jahrzehnt ermöglichte, sich darum herum neu aufzubauen. Wes Humpston, der in der Dogtown-Szene arbeitete, wird am häufigsten zugeschrieben, die Unterseite eines Boards von einem Logo-Platz zu einer Zeichenfläche gemacht zu haben. Die 1980er Jahre wurden von zwei Künstlern in gegensätzlichen Registern definiert: Vernon Courtlandt Johnsons heraldische Schädel-und-Schwert-Arbeiten für Powell-Peralta und Jim Phillips' helle, comic-basierte Grafiken für Santa Cruz, einschließlich der Screaming Hand von 1985. Die Seltsamkeit der Arbeit hat eine ökonomische Erklärung: Ein Deck ist ein Verbrauchsgut, ein Stück gepresster Ahorn gleicht dem anderen, daher war die Grafik der einzige Unterschied, und das jugendliche Publikum belohnte genau das, was ein Kundenkomitee entfernt hätte. Die 1990er Jahre brachten schmalere Streetboards, die Parodie und Provokation von World Industries und die gestalterische Zurückhaltung von Girl Skateboards. Ab den 2000er Jahren wurden Decks sammelwürdig, und von Skate-Künstlern stammende Künstler zogen in Galerien ein. Heute als Wandkunst hergestellte Decks sind eine eigenständige Entwicklung – neue Rohlinge, die als Substrat verwendet werden und die kompositorische Logik statt der Herkunft übertragen.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von deckarts, ein Grafikdesigner und Druckspezialist ursprünglich aus der Ukraine, jetzt in Berlin ansässig, wo er persönlich jedes Deck entwirft und vorbereitet.

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