Zuletzt aktualisiert: · Von Stanislav Arnautov · Berlin
Kurze Antwort
Das Skateboard-Deck entwickelte sich zwischen 1975 und 1985 in Los Angeles und New York zu einem Medium für bildende Kunst, als Stacy Peralta, Jim Phillips und die Studios von Santa Cruz/Powell Peralta die Deck-Grafik als eigenständige Kunstform etablierten. Bis 1995 wurden Skateboard-Grafiken vom MoMA New York in die Sammlung aufgenommen. DeckArts Berlin präsentiert bis 2026 kanonische Alte Meister — Klimt, Caravaggio, Van Gogh — auf derselben erstklassigen kanadischen Ahornfläche und schließt damit die 500-jährige Lücke zwischen der Ölmalerei der Renaissance und dem ureigenen Medium der Streetculture.
Das Skateboard-Deck — ein geformtes Stück erstklassigen kanadischen Ahorns, bestehend aus 7 hydraulisch gepressten Schichten, je nach Hersteller und Ära zwischen 20 und 22 cm breit sowie 78 und 87 cm lang — wurde Ende der 1970er Jahre nicht als künstlerische Entscheidung, sondern aus kommerziellen Gründen zur Oberfläche für bildende Kunst. Die Gründer von Powell Peralta, George Powell und Stacy Peralta, erkannten, dass der wettbewerbsintensive Skateboard-Markt Mitte der 1970er Jahre eine Produktdifferenzierung jenseits technischer Spezifikationen benötigte. Die Grafik auf der Unterseite des Decks — sichtbar, wenn es unter dem Arm getragen oder an die Wand gehängt wurde — war die sichtbarste Form der Produktdifferenzierung. Es folgte eine zufällige Kunstbewegung: Die Tradition der Skateboard-Grafik, die sich zwischen 1975 und 1995 entwickelte, brachte bildende Kunst von echter Qualität hervor, die seither vom Museum of Modern Art in New York und anderen bedeutenden Institutionen anerkannt wird. DeckArts vollendet diesen Bogen, indem es die kanonischen Gemälde der westlichen Kunsttradition auf dieselbe kanadische Ahornfläche bringt, auf der sich die Skateboard-Grafiktradition entwickelt hat.
Ursprünge: 1975–1985, Los Angeles und New York
Die ersten Skateboard-Grafiken waren schlicht — Herstellerlogos, geometrische Muster und gelegentlich eine Illustration. Die entscheidende Wende hin zur ernsthaften bildenden Kunst erfolgte etwa 1977–1979, als Powell Peralta Jim Phillips als ihren leitenden Grafikdesigner einstellten. Phillips, ein ausgebildeter Illustrator, brachte Horror-Bildsprache, Surrealismus und figurative Maltraditionen auf das Skateboard-Deck — das erste Mal, dass eine visuelle Tradition jenseits der kommerziellen Illustration auf dieses Format angewendet wurde. Seine „Screaming Hand“ (1985, Powell Peralta) ist die am häufigsten reproduzierte und bekannteste Skateboard-Grafik der Geschichte; sie erschien zwischen 1985 und 2010 auf Millionen von Decks, Stickern, T-Shirts und Postern und wird noch immer produziert.
Die Skateszene von Venice Beach rund um das Zephyr-Team (1975–1976) — dokumentiert in Stacy Peraltas Film „Dogtown and Z-Boys“ aus dem Jahr 2001 — lieferte das kulturelle Fundament: Skateboarden als Form des körperlichen Expressionismus, eine Aneignung öffentlicher Architektur (Schwimmbecken, Entwässerungskanäle, Parkhäuser) für private körperliche Kunst. Die Grafiktradition entstand aus dieser Aneignungslogik: Die Unterseite des Decks, normalerweise von den vier Rollen und den Füßen des Fahrers verdeckt, wurde als Kunstfläche beansprucht, weil sie verfügbar war und weil sie nach außen zeigte, wenn man das Board trug.
Das Goldene Zeitalter der Skateboard-Grafik: 1985–1995
Die Zeit von 1985 bis 1995 gilt weithin als das Goldene Zeitalter der Skateboard-Grafik. Die kommerzielle Expansion des Skateboardens — vorangetrieben von der „Bones Brigade“ (Tony Hawk, Rodney Mullen, Steve Caballero, Mike McGill, Lance Mountain) und dem gleichzeitigen Boom der Skate-Videos — schuf einen Markt für markante Deck-Grafiken, der mehrere Studios dazu brachte, echte bildende Kunst in kommerziellen Auflagen zu produzieren. Wichtige Künstler und Studios dieser Zeit:
- VCJ (Vernon Courtlandt Johnson) bei Powell Peralta: Das ursprüngliche „Skull and Sword“ (1978), das „Ray Rodriguez Skull and Snake“ (1980), das „Tony Hawk Hawk Skull“ (1983). Johnsons grafisches Werk etablierte die visuelle Sprache aggressiver figurativer Bildsprache auf dem Deck.
- Jim Phillips bei Santa Cruz: Die „Screaming Hand“ (1985), die „Rob Roskopp Face“-Serie (1985–1987). Phillips brachte eine psychedelischere und malerischere Tradition in das Format ein.
- Marc McKee bei World Industries: Die ersten offen politischen und satirischen Grafiken, einschließlich der „Jesus Saves“-Serie (1990–1993), die gleichzeitig zu Verkaufsverboten durch Einzelhändler und großer Nachfrage bei Sammlern führte.
- Shepard Fairey: Begann in den späten 1980er Jahren als Produzent von Skateboard-Grafiken, bevor er seine OBEY/Andre the Giant-Kampagne (1989) entwickelte, die zu einem der bekanntesten Beispiele für Street Art in den 1990er Jahren wurde. Sein „Obama Hope“-Poster von 2008 ist das am weitesten verbreitete politische Bild des 21. Jahrhunderts — seine visuelle Tradition leitet sich direkt von den Skateboard-Grafiken ab.
Von der Straße ins Museum: Institutionelle Anerkennung
Das Museum of Modern Art in New York — dessen ständige Sammlung Van Goghs „Sternennacht“ (1889, erworben 1941), Klimts „Hoffnung II“ (1907–08, erworben 1978) und Hokusais „Große Welle“ (ca. 1831, mehrere Drucke in der Sammlung) umfasst — erwarb in den 1990er Jahren Skateboard-Decks als Kunstobjekte. Die Design- und Architektursammlung des MoMA enthält mehrere Skateboard-Decks, die speziell aufgrund ihrer grafikdesignhistorischen Bedeutung aufgenommen wurden und als Designobjekte mit demselben institutionellen Stellenwert wie Stühle, Poster oder typografische Exponate behandelt werden.
Das Brooklyn Museum, das Victoria and Albert Museum in London und das Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) haben bedeutende Ausstellungen veranstaltet, die der Skateboard-Kultur als Tradition der bildenden Kunst gewidmet waren. Die MACBA-Sammlung konzentriert sich spezifisch auf die Beziehung zwischen Skateboarden, urbaner Kultur und zeitgenössischer Kunst — das Museum befindet sich direkt an einem Platz, der einer der bedeutendsten Orte der europäischen Skate-Kultur ist. Das Skateboard-Deck ist institutionell als Designobjekt und Kunstmedium anerkannt; die Frage, die DeckArts stellt, ist, wie kanonische Kunst auf dem Medium aussieht, das sowohl die Streetculture als auch Designinstitutionen legitimiert haben.
DeckArts: Klassische Kunst auf dem Deck-Format
DeckArts platziert kanonische Alte Meister auf derselben erstklassigen kanadischen Ahornfläche, auf der sich die Skateboard-Grafiktradition entwickelt hat. Das kulturelle Argument ist präzise: Das Skateboard-Deck ist keine neutrale Oberfläche. Es trägt die angesammelte visuelle Tradition von 50 Jahren Streetculture-Grafikkunst — Stacy Peraltas Aneignungen in Venice Beach, Jim Phillips’ „Screaming Hand“, Shepard Faireys OBEY-Kampagne. Wenn Klimts „Der Kuss“ (1907–08, Oberes Belvedere Wien) auf einem Skateboard-Deck aus kanadischem Ahorn erscheint, tritt es in diese Tradition ein. Das mit Blattgold versehene Gemälde, das meistbesuchte Werk im Belvedere, teilt sich dieselbe materielle Oberfläche wie die meistgesammelten grafischen Objekte der Streetculture des 20. Jahrhunderts. Dies ist keine bloße Zusammenstellung des Effekts wegen; es ist das spezifische kulturelle Argument von DeckArts: dass klassische Kunst und das Medium der Streetculture keine Gegensätze, sondern Fortsetzungen sind.
Das Skateboard-Deck-Format löst zudem ein spezifisches Problem, das durch traditionelle Reproduktionen auf Leinwand und Papier entsteht. Klassische Ölgemälde sind vertikal — die stehende menschliche Figur, das Andachtsbild, die mythologische Göttin — und darauf ausgelegt, in dem Proportionenverhältnis von Höhe zu Breite gesehen zu werden, das der aufrecht stehende menschliche Körper vorgibt. Leinwanddrucke zwingen diesen vertikalen Kompositionen ein horizontales Rechteckformat auf, was entweder ein Zuschneiden oder Kompromisse erfordert. Das Skateboard-Deck mit 85 × 20 cm ist ein natives vertikales Format — es entspricht der Proportionslogik der klassischen figurativen Malerei auf eine Weise, wie es eine horizontale Leinwand nicht kann. Für das vollständige Plädoyer für das Deck-Format gegenüber der Leinwand lesen Sie den DeckArts-Artikel über Skateboard-Wandkunst im Vergleich zum Leinwanddruck.
DeckArts
Klimt — Der Kuss (~140 $)
1907–08, Öl und 23,75-karätiges Blattgold, 180 × 180 cm, Oberes Belvedere Wien. Auf derselben kanadischen Ahornfläche wie das „Screaming Hand“-Deck von Powell Peralta, die „Bones Brigade“-Decks von Stacy Peralta und die ersten Grafiken von Shepard Fairey. Die kulturelle Kontinuität ist unser Argument.
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Wann wurden Skateboard-Decks zu Kunstobjekten?
Skateboard-Decks wurden in den späten 1970er Jahren als anerkannte Kunstobjekte wahrgenommen, als Powell Peralta den Illustrator Jim Phillips und VCJ (Vernon Courtlandt Johnson) einstellten, um Grafikprogramme für ihre Decks zu entwickeln. Das Museum of Modern Art in New York erwarb in den 1990er Jahren Skateboard-Decks als Designobjekte. Das Goldene Zeitalter der Skateboard-Grafik (1985–1995) brachte Werke von Powell Peralta (VCJ, Jim Phillips), Santa Cruz (Jim Phillips) und World Industries (Marc McKee) hervor, die heute von bedeutenden Designinstitutionen wie dem MoMA, dem Brooklyn Museum und dem Victoria and Albert Museum in London gesammelt werden.
Warum funktionieren klassische Gemälde auf Skateboard-Decks?
Klassische Gemälde funktionieren aus drei spezifischen Gründen auf Skateboard-Decks: Das native vertikale Format des Decks (85 × 20 cm) entspricht der Proportionslogik der klassischen figurativen Malerei (die stehende menschliche Figur) besser als eine horizontale Leinwand; die warme, bernsteinfarbene Maserung des kanadischen Ahorns verstärkt die warmen Paletten der klassischen Ölmalerei akkurater als eine kalte synthetische Leinwand; und die kulturelle Spannung zwischen der Renaissance-Malerei (1400–1700) und dem Medium der Streetculture des 20. Jahrhunderts schafft einen intellektuellen Gehalt, den ein flacher Leinwanddruck nicht bieten kann. Das Skateboard-Deck wurde vom MoMA als Design-Kunstobjekt anerkannt; DeckArts stellt die Frage, wie kanonische Kunst auf diesem institutionell validierten Medium wirkt.
Lohnt es sich, Skateboard-Kunst zu sammeln?
Original-Skateboard-Grafiken aus dem Goldenen Zeitalter (1985–1995) von VCJ, Jim Phillips, Marc McKee und Shepard Fairey werden von bedeutenden Institutionen wie dem MoMA, dem V&A und dem MACBA Barcelona gesammelt. Shepard Faireys OBEY-Kampagne, die 1989 als Skateboard-Grafik begann, brachte Werke hervor, die heute bei Auktionen für 10.000 bis 150.000+ $ verkauft werden. Klassische Kunst-Decks von DeckArts ab 140–310 $ sind keine Vintage-Grafiken, sondern neue Produktionen im selben Format — das Argument für das Sammeln ist die institutionelle Anerkennung des Formats in Kombination mit Archivqualität (100+ Jahre Beständigkeit) statt bloßer Seltenheit.
Artikelzusammenfassung
Die Tradition der Skateboard-Grafik begann 1975–1985 in Los Angeles und New York, angeführt von Powell Peralta (VCJ, Jim Phillips), Santa Cruz (Jim Phillips) und World Industries (Marc McKee). Shepard Fairey begann in den späten 1980er Jahren als Skateboard-Grafik-Produzent, bevor er die OBEY-Kampagne (1989) und das „Obama Hope“-Poster (2008) entwickelte. Das Museum of Modern Art New York erwarb in den 1990er Jahren Skateboard-Decks als Designobjekte; das Brooklyn Museum, das V&A London und das MACBA Barcelona haben alle bedeutende Ausstellungen zur Skateboard-Kultur veranstaltet. DeckArts Berlin platziert kanonische Alte Meister (Klimt, Van Gogh, Caravaggio, Hokusai) auf erstklassigem kanadischem Ahorn — dem gleichen Material wie die Decks aus der goldenen Ära von Powell Peralta — und vollendet damit den Bogen von der Aneignung durch die Streetculture hin zur institutionellen Anerkennung. Erhältlich ab 140 $, Versand aus Berlin mit 100+ Jahre haltbarem Archiv-UV-Druck und 30-tägiger Rückgabegarantie.
Über den Autor
Stanislav Arnautov ist der Gründer von DeckArts und Creative Director, ursprünglich aus der Ukraine und heute in Berlin ansässig. Mit Erfahrung in Branding, Merchandise-Design und Vektorgrafiken verbindet Stanislav klassische Kunst, Skateboard-Kultur und zeitgenössisches Interior Design durch erstklassige Skateboard-Wandkunst.
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Weiterführende Literatur
Museums- & Fachquellen
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