Japonismus: Wie die Große Welle die europäische Malerei veränderte und warum Preußischblau den Kreis von Berlin schloss

Zuletzt aktualisiert: Mai 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin

Japonismus — ein Begriff, der 1872 von dem französischen Kritiker Philippe Burty geprägt wurde — beschreibt den tiefgreifenden Einfluss der japanischen visuellen Kultur auf die europäische Malerei, Grafik und Kunstgewerbe von etwa 1856 (als Japan nach der Ankunft von Commodore Perry 1853 für den westlichen Handel geöffnet wurde) bis etwa 1920. Bei diesem Einfluss handelte es sich nicht um eine oberflächliche Nachahmung, sondern um eine grundlegende kompositorische und chromatische Transformation: Die europäische Avantgarde übernahm aus der japanischen Druckgrafik eine Reihe visueller Prinzipien — flächige Farbe ohne Modellierung, hohe Horizontlinien, asymmetrische Komposition, die Silhouette als primäre visuelle Einheit, das ausdrucksstarke Potenzial der Kontur —, die den Verlauf der westlichen Kunst nachhaltig veränderten. DeckArts Berlin reproduziert Hokusais Große Welle auf kanadischem Ahorn ab ca. 140 $.

Die Öffnung Japans: 1853 und die Flut von Drucken nach Europa

Japan hatte von 1635 bis 1853 die Sakoku-Politik (nationale Isolation) verfolgt und den internationalen Handel auf den niederländischen Handelsposten Dejima in Nagasaki beschränkt. Als die US-Marineflotte unter Commodore Matthew Perry im Juli 1853 in der Bucht von Edo eintraf und unter Androhung von Gewalt Handelsrechte forderte, kapitulierte die japanische Regierung — die Konvention von Kanagawa (März 1854) öffnete japanische Häfen für amerikanische Schiffe, und nachfolgende Verträge öffneten sie für europäische Mächte. Bis 1858 war Japan für den uneingeschränkten internationalen Handel geöffnet.

Japanische Waren — Keramik, Lackwaren, Seidentextilien, Stellschirme und vor allem Holzschnitte — überschwemmten ab den späten 1850er Jahren die europäischen Märkte. Die Holzschnitte, die in enormen Mengen für den japanischen Binnenmarkt produziert worden waren, waren billig, zahlreich und unterschieden sich grundlegend von allem, was europäische Künstler bisher gesehen hatten. Die spezifischen visuellen Eigenschaften von Ukiyo-e-Drucken — flächige Farbbereiche ohne Schattenmodellierung, kräftige Umrisse, asymmetrische Kompositionen, die hohe Horizontlinie, das Fehlen einer Fluchtpunktperspektive — waren das komplette Gegenteil der akademischen europäischen Tradition und wurden von europäischen Malern sofort als eine andere Art von Lösungen für dieselben Probleme erkannt.

Van Goghs japanische Drucke: 400 Werke, 3 direkte Kopien

Vincent van Gogh sammelte etwa 400 japanische Holzschnitte (heute im Van Gogh Museum Amsterdam) und studierte sie während seiner Pariser Zeit (1886-88) intensiv. Im Jahr 1887 fertigte er drei direkte Öl-Kopien von Hiroshige-Drucken als kompositorische Übungen an: „Plötzlicher Schauer über der Shin-Ohashi-Brücke“ (nach Hiroshige, Van Gogh Museum Amsterdam), „Pflaumenpark in Kameido“ (nach Hiroshige, Van Gogh Museum) und eine dritte Kopie. Diese Ölkopien sind einzigartig in Van Goghs Œuvre: Er kopierte regelmäßig Werke anderer Künstler als Übung, aber die Hiroshige-Kopien sind die einzigen Beispiele, bei denen er nicht nur die Komposition übernahm, sondern die spezifische grafische Methode der flächigen Farbe und der starken Umrisse des Originals, anstatt sie in seinen eigenen Pinselstrichstil zu übersetzen.

Der Einfluss des Japonismus auf Van Goghs reifen Stil beschränkt sich nicht nur auf die expliziten Kopien. Die kompositorischen Entscheidungen der Arles- und Saint-Rémy-Zeit — der nach oben gerichtete Blickwinkel bei den Mandelblüten, die flächige Himmelszone desselben Werks, der silhouettenhafte Ansatz bei der Zypressen-Serie und der rhythmische, sich wiederholende Pinselstrich, den Van Gogh in einem Brief an Émile Bernard (1888) spezifisch als Ergebnis des Studiums von Hokusais Linienführung beschrieb — spiegeln allesamt die nachhaltige Aufnahme von Ukiyo-e-Prinzipien in seine visuelle Praxis wider.

Monet in Giverny: Der japanische Garten und die Seerosen

Claude Monet (Paris, 1840-1926) erwarb 1883 ein Anwesen in Giverny und verbrachte dort die verbleibenden 43 Jahre seines Lebens, wobei er den Garten in ein komplettes, japanisch inspiriertes Landschaftsprogramm verwandelte: die japanische Brücke, den Wassergarten, die Trauerweiden, die Seerosen. Monet sammelte etwa 200 japanische Holzschnitte, die noch heute in seinem Haus in Giverny ausgestellt sind (heute als Fondation Claude Monet öffentlich zugänglich). Die Drucke — von Hiroshige, Hokusai, Utamaro und anderen — sind in mehreren Räumen zu sehen und repräsentieren eine der bedeutendsten europäischen Sammlungen von Ukiyo-e aus dem 19. Jahrhundert.

Die „Nymphéas“ (Seerosen)-Serie — die etwa 250 Gemälde des Wassergartens von Giverny, die Monet zwischen 1896 und 1926 schuf und die in den großformatigen Panorama-Installationen gipfelten, die heute im Musée de l’Orangerie in Paris zu sehen sind — ist die nachhaltigste westliche Umsetzung japanischer Gartenästhetik in der Malerei. Die flache Wasseroberfläche, das Fehlen einer Horizontlinie, die Spiegelungen des Himmels im Wasser und der fragmentarische Zuschnitt der Seerosenblätter und Weidenzweige an den Rändern der Komposition sind allesamt Ukiyo-e-Kompositionsprinzipien, die im größtmöglichen Maßstab auf die westliche Ölmalerei angewendet wurden.

Toulouse-Lautrec und das flächige Farbplakat: Ukiyo-e wird urban

Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Saint-André-du-Bois, 1901) wandte die grafischen Prinzipien des Ukiyo-e mit flächiger Farbe auf das kommerzielle Plakatdesign an — die Moulin-Rouge- und Aristide-Bruant-Plakate der frühen 1890er Jahre gehören zu den direktesten formalen Anwendungen japanischer Druckgrafik auf die westliche Grafik. Die spezifischen Ukiyo-e-Elemente in Toulouse-Lautrecs Plakatkunst: flächige Farbbereiche ohne Verlauf oder Modellierung; kräftige schwarze Umrisse als primäres grafisches Element; die hohe Horizontlinie und asymmetrische Komposition, abgeleitet von Hokusai und Hiroshige; und die Reduktion der Figur auf eine grafische Silhouette statt einer dreidimensionalen modellierten Form. Toulouse-Lautrec besaß japanische Drucke und war laut Dokumenten ein regelmäßiger Besucher der Pariser Geschäfte, die sie ab den 1880er Jahren verkauften.

Degas und der hohe Horizont: Japanische Raumkomposition

Edgar Degas (Paris, 1834-1917) sammelte etwa 150 japanische Drucke und wandte die spezifischen räumlichen Kompositionsstrategien des Ukiyo-e — insbesondere die hohe Horizontlinie, die asymmetrische Platzierung der Hauptfigur und das Abschneiden von Figuren am Rand der Komposition, als ob durch eine Kamera statt durch kompositorische Konventionen — auf seine impressionistische Figurenmalerei an. Die Ballettreihe, die Badeserie und die Gemälde von der Rennbahn nutzen alle die hohe Horizontlinie, die asymmetrische, figurengeschnittene Raumstruktur, die Degas aus der japanischen Druckkomposition ableitete.

Degas übernahm auch die Ukiyo-e-Praxis, den Körper in Bewegung darzustellen statt in posierender Starre: Die japanischen Meister stellten Kabuki-Schauspieler, Sumoringer und Tänzer in angehaltener Bewegung dar, nicht in den formellen Porträtposen der westlichen Tradition. Degas' Ballerinen und Badende werden in derselben flüchtigen, privaten, ungestellten Qualität eingefangen, die Ukiyo-e-Figuren besitzen — beobachtet statt posiert, angehalten statt präsentiert.

Der Kreis schließt sich: Preußischblau von Berlin nach Japan und Europa

Die Geschichte des Japonismus enthält einen bemerkenswerten chromatischen Kreis: Das Pigment, das die berühmtesten japanischen Drucke ausmachte — Hokusais Große Welle, Hiroshiges Landschaften, die „blaue Periode“ des Ukiyo-e —, war Preußischblau, 1704 in Berlin von Johann Jacob Diesbach erfunden, um 1820 durch den niederländischen Handel nach Japan gebracht, von japanischen Druckern für die markantesten und meistexportierten japanischen Drucke verwendet, die dann ab 1856 Europa überschwemmten und die europäische Avantgarde beeinflussten. Die europäischen Impressionisten und Post-Impressionisten, die durch japanische Drucke verwandelt wurden, wurden von Werken beeinflusst, die mit einem deutschen Pigment hergestellt wurden, das Europa verlassen hatte, von Japan übernommen worden war und nun eingebettet in eine japanische visuelle Tradition nach Europa zurückkehrte. Preußischblau — geboren in Berlin, gereift in Japan, einflussreich in Paris.

DeckArts produziert Hokusais „Große Welle“ in Berlin — der Stadt, in der Preußischblau vor 322 Jahren erfunden wurde und wo es heute mit UV-Archiv-Pigmenttinten auf kanadischem Ahorn für zeitgenössische Wände reproduziert wird. Der geografische und chromatische Kreis schließt sich.

DeckArts

Hokusai — Große Welle Diptychon (~230 $)

Preußischblau: Berlin 1704 → Japan 1820 → Große Welle 1831 → Japonismus in Paris 1856-1920 → DeckArts Berlin 2026. Der volle Kreis. Ab ca. 230 $ auf kanadischem Ahorn.

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FAQ

Was ist Japonismus in der Kunst?

Japonismus ist der Begriff (geprägt vom französischen Kritiker Philippe Burty, 1872) für den Einfluss der japanischen visuellen Kultur auf die europäische Kunst von etwa 1856 bis 1920. Japanische Holzschnitte überschwemmten nach der Öffnung Japans für den Handel (1853-58) die europäischen Märkte und führten europäische Maler in die flächige Farbkomposition ohne Schattenmodellierung, hohe Horizontlinien, asymmetrische Komposition und die Silhouette als primäre visuelle Einheit ein. Van Gogh, Monet, Toulouse-Lautrec, Degas und Whistler wurden alle direkt und maßgeblich beeinflusst. DeckArts ab ca. 140 $.

Wie beeinflusste japanische Kunst Van Gogh?

Van Gogh sammelte etwa 400 japanische Drucke (heute im Van Gogh Museum Amsterdam), kopierte 1887 drei Hiroshige-Drucke direkt in Öl und schrieb 1888 an Émile Bernard spezifisch über das Studium von Hokusais Linienführung. Der Einfluss des Japonismus auf sein reifes Werk: nach oben gerichtete Komposition bei den Mandelblüten, flächige Himmelszone, silhouettenhafter Ansatz bei Zypressen, rhythmischer, sich wiederholender Pinselstrich. Das Motiv der Mandelblüte selbst (Kirsch-/Pflaumenblüte, nach oben zum Himmel gerichtet) stammt direkt aus Hiroshiges Druckserie „Einhundert berühmte Ansichten von Edo“.

Zusammenfassung

Japonismus (Philippe Burty, 1872): Japanischer visueller Einfluss auf die europäische Kunst 1856-1920 nach der Öffnung Japans (Konvention von Kanagawa März 1854, Perrys Ankunft 1853). Übernommene Schlüsselprinzipien: flächige Farbe ohne Modellierung, hohe Horizontlinie, asymmetrische Komposition, Silhouette als primäre Einheit, kräftige Kontur, angeschnittene Figuren. Van Gogh: ca. 400 Drucke gesammelt, 3 direkte Hiroshige-Ölkopien (1887, Van Gogh Museum), Hokusai-Linienstudie (Brief an Bernard 1888). Monet: ca. 200 Drucke gesammelt, japanischer Garten in Giverny, Nymphéas-Serie (ca. 250 Werke, 1896-1926, Orangerie Paris). Toulouse-Lautrec: flächiges Farbplakat (Moulin Rouge 1891) = Ukiyo-e-Prinzipien im kommerziellen Grafikdesign. Degas: ca. 150 Drucke, hoher Horizont, asymmetrischer Beschnitt, Körper in ungestellter Bewegung. Der Kreis schließt sich: Preußischblau (Berlin 1704) → Japan (ca. 1820) → Große Welle (1831) → Japonismus Paris (1856-1920) → DeckArts Berlin (2026). DeckArts Große Welle ab ca. 140 $ Einzel / ca. 230 $ Diptychon. Kanadischer Ahorn. UV-Archiv-Tinte, über 100 Jahre haltbar. 30 Tage Rückgaberecht.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von DeckArts und ein Creative Director aus der Ukraine mit Sitz in Berlin.