Japonismus: Wie die Große Welle die europäische Malerei veränderte und warum Preußischblau den Kreis von Berlin schloss

Zuletzt aktualisiert: Mai 2026 · Von Stanislav Arnautov · Berlin

Der Japonismus – der Begriff wurde 1872 vom französischen Kritiker Philippe Burty geprägt – beschreibt den tiefgreifenden Einfluss der japanischen visuellen Kultur auf die europäische Malerei, Grafik und angewandte Kunst von etwa 1856 (als Japan sich nach der Ankunft von Commodore Perry im Jahr 1853 dem westlichen Handel öffnete) bis etwa 1920. Der Einfluss war keine oberflächliche Nachahmung, sondern eine grundlegende kompositorische und chromatische Transformation: Die europäische Avantgarde übernahm von der japanischen Druckgrafik eine Reihe visueller Prinzipien – flache Farbe ohne Modellierung, hohe Horizontlinien, asymmetrische Komposition, die Silhouette als primäre visuelle Einheit, das expressive Potenzial der Umrisslinie –, die den Lauf der westlichen Kunst dauerhaft veränderten. DeckArts Berlin reproduziert Hokusais Große Welle auf kanadischem Ahorn ab ca. 140 $.

Wie Japan sich öffnete: 1853 und die Flut japanischer Drucke nach Europa

Japan hatte von 1635 bis 1853 die Sakoku-Politik (nationale Isolation) beibehalten und den internationalen Handel auf den niederländischen Handelsposten Dejima in Nagasaki beschränkt. Als die US-Marineflottille von Commodore Matthew Perry im Juli 1853 in der Edo-Bucht ankam und unter Androhung von Gewalt Handelsrechte forderte, kapitulierte die japanische Regierung – die Konvention von Kanagawa (März 1854) öffnete japanische Häfen für amerikanische Schiffe, und nachfolgende Verträge öffneten sie für europäische Mächte. Bis 1858 war Japan für den uneingeschränkten internationalen Handel geöffnet.

Japanische Waren – Keramiken, Lackwaren, Seidentextilien, Stellschirme und, entscheidend, Holzschnitte – strömten ab den späten 1850er Jahren auf die europäischen Märkte. Die Holzschnitte, die in riesigen Mengen für den japanischen Binnenmarkt hergestellt worden waren, waren billig, zahlreich und völlig anders als alles, was europäische Künstler zuvor gesehen hatten. Die spezifischen visuellen Eigenschaften der Ukiyo-e-Drucke – flache Farbfelder ohne Schattenmodellierung, kräftige Umrisse, asymmetrische Kompositionen, die hohe Horizontlinie, das Fehlen der Zentralperspektive – waren das genaue Gegenteil der akademischen europäischen Tradition und wurden von europäischen Malern sofort als eine andere Reihe von Lösungen für dieselben Probleme erkannt.

Van Goghs japanische Drucke: 400 Werke, 3 direkte Kopien

Vincent van Gogh sammelte etwa 400 japanische Holzschnitte (heute im Van Gogh Museum Amsterdam) und studierte sie intensiv während seiner Pariser Zeit (1886-88). Im Jahr 1887 fertigte er drei direkte Ölkopien von Hiroshige-Drucken als kompositorische Übungen an: Plötzlicher Regen über der Shin-Ōhashi-Brücke (nach Hiroshige, Van Gogh Museum Amsterdam), Pflaumengarten in Kameido (nach Hiroshige, Van Gogh Museum) und eine dritte Kopie. Diese Ölkopien sind einzigartig in Van Goghs Œuvre: Er kopierte regelmäßig Werke anderer Künstler als Übung, aber die Hiroshige-Kopien sind die einzigen Fälle, in denen er nicht nur die Komposition, sondern die spezifische flächige Farb- und Umrissgrafik des Originals übernahm, anstatt sie in seinen eigenen Pinselstrichstil zu übersetzen.

Der Einfluss des Japonismus auf Van Goghs reifen Stil beschränkt sich nicht auf die expliziten Kopien. Die kompositorischen Entscheidungen der Arleser und Saint-Rémyer Perioden – die Aufsicht der Mandelblüte, die flache Himmelszone desselben Werkes, die Silhouetten-Darstellung in der Zypressen-Serie und die rhythmische, sich wiederholende Pinselführung, die Van Gogh in einem Brief an Émile Bernard (1888) spezifisch als von Hokusais Linienführung gelernt beschrieb – spiegeln alle die anhaltende Aufnahme von Ukiyo-e-Prinzipien in seine visuelle Praxis wider.

Monet in Giverny: Der japanische Garten und die Seerosen

Claude Monet (Paris, 1840-1926) erwarb 1883 ein Anwesen in Giverny und verbrachte die restlichen 43 Jahre seines Lebens dort, wobei er den Garten in ein komplettes japanisch inspiriertes Landschaftsprogramm verwandelte: die japanische Brücke, den Wassergarten, die Trauerweiden, die Seerosen. Monet sammelte etwa 200 japanische Holzschnitte, die noch heute in seinem Haus in Giverny (jetzt als Fondation Claude Monet öffentlich zugänglich) ausgestellt sind. Die Drucke – Hiroshige, Hokusai, Utamaro und andere – sind in mehreren Räumen ausgestellt und repräsentieren eine der bedeutendsten europäischen Ukiyo-e-Sammlungen des 19. Jahrhunderts.

Die Nymphéas-Serie (Seerosen) – die etwa 250 Gemälde des Givernyer Wassergartens, die Monet zwischen 1896 und 1926 schuf und die in den großformatigen Panorama-Installationen, die heute im Musée de l'Orangerie in Paris zu sehen sind, gipfelten – ist die nachhaltigste westliche Umsetzung der Ästhetik japanischer Gärten in der Malerei. Die flache Oberfläche des Wassers, das Fehlen einer Horizontlinie, die Reflexionen des Himmels im Wasser und das fragmentarische Beschneiden von Seerosenblättern und Weidenzweigen an den Rändern der Komposition sind allesamt Ukiyo-e-Kompositionsprinzipien, die auf die größtmögliche Weise in die westliche Ölmalerei übertragen wurden.

Toulouse-Lautrec und das Flachfarbenplakat: Ukiyo-e wird urban

Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Saint-André-du-Bois, 1901) übertrug die flächigen Grafikprinzipien des Ukiyo-e auf das kommerzielle Plakatdesign – die Moulin Rouge- und Aristide Bruant-Plakate der frühen 1890er Jahre gehören zu den direktesten formalen Anwendungen japanischer Druckgrafik auf die westliche Grafikkunst. Die spezifischen Ukiyo-e-Elemente in Toulouse-Lautrecs Plakatwerken: flächige Farbbereiche ohne Verlauf oder Modellierung; kräftige schwarze Umrisslinien als primäres grafisches Element; die hohe Horizontlinie und asymmetrische Komposition, abgeleitet von Hokusai und Hiroshige; und die Reduktion der Figur auf eine grafische Silhouette statt einer dreidimensional modellierten Form. Toulouse-Lautrec besaß japanische Drucke und wurde seit den 1880er Jahren als regelmäßiger Besucher der Pariser Geschäfte dokumentiert, die sie verkauften.

Degas und der hohe Horizont: Japanische Raumkomposition

Edgar Degas (Paris, 1834-1917) sammelte etwa 150 japanische Drucke und wendete die spezifischen räumlichen Kompositionsstrategien des Ukiyo-e – insbesondere die hohe Horizontlinie, die asymmetrische Platzierung der Hauptfigur und das Beschneiden von Figuren am Bildrand, als ob dies durch eine Kamera und nicht durch Kompositionskonventionen geschehen wäre – auf seine impressionistische Figurenmalerei an. Die Ballet-Serie, die Badeserie und die Rennbahn-Gemälde verwenden alle die hochhorizontale, asymmetrische, figurenbeschnittene Raumstruktur, die Degas aus der japanischen Druckkomposition ableitete.

Degas übernahm auch die Ukiyo-e-Praxis, den Körper in Bewegung darzustellen statt in statischer Pose: Die japanischen Meister stellten Kabuki-Schauspieler, Sumō-Ringer und Tänzer in angehaltener Bewegung dar, anstatt in den formalen Porträtposen der westlichen Tradition. Degas' Ballerinas und Badende sind in der gleichen momentanen, privaten, ungestellten Qualität festgehalten, die Ukiyo-e-Figuren besitzen – beobachtet statt posiert, angehalten statt präsentiert.

Der Kreis schließt sich: Preußischblau von Berlin nach Japan und zurück nach Europa

Die Geschichte des Japonismus enthält einen bemerkenswerten chromatischen Kreislauf: Das Pigment, das die berühmtesten japanischen Drucke – Hokusais Große Welle, Hiroshiges Landschaften, die „blaue Periode“ des Ukiyo-e – prägte, war Preußischblau, 1704 in Berlin von Johann Jacob Diesbach erfunden, um 1820 über den niederländischen Handel nach Japan gebracht, von japanischen Druckern für die charakteristischsten und meistexportierten japanischen Drucke verwendet, die dann ab 1856 nach Europa strömten und die europäische Avantgarde beeinflussten. Die europäischen Impressionisten und Postimpressionisten, die durch japanische Drucke transformiert wurden, wurden von Werken beeinflusst, die mit einem deutschen Pigment hergestellt worden waren, das Europa verlassen hatte, von Japan übernommen worden war und eingebettet in eine japanische visuelle Tradition nach Europa zurückkehrte. Preußischblau – in Berlin geboren, in Japan gereift, in Paris einflussreich.

DeckArts produziert Hokusais Große Welle in Berlin – der Stadt, in der das Preußischblau vor 322 Jahren erfunden wurde und wo es nun mit UV-Archivpigmenttinten auf kanadischem Ahorn für zeitgenössische Wohnzimmerwände reproduziert wird. Der geografische und chromatische Kreis ist geschlossen.

DeckArts

Hokusai – Große Welle Diptychon (~$230)

Preußischblau: Berlin 1704 → Japan 1820 → Große Welle 1831 → Japonismus in Paris 1856-1920 → DeckArts Berlin 2026. Der volle Kreis. Ab ca. 230 $ auf kanadischem Ahorn.

Dieses Stück ansehen →

FAQ

Was ist Japonismus in der Kunst?

Japonismus ist der Begriff (geprägt vom französischen Kritiker Philippe Burty, 1872) für den Einfluss der japanischen visuellen Kultur auf die europäische Kunst von etwa 1856 bis 1920. Japanische Holzschnitte fluteten die europäischen Märkte, nachdem Japan sich 1853-58 dem Handel öffnete, und führten europäische Maler in die flächige Farbkomposition ohne Schattenmodellierung, hohe Horizontlinien, asymmetrische Komposition und die Silhouette als primäre visuelle Einheit ein. Van Gogh, Monet, Toulouse-Lautrec, Degas und Whistler waren alle direkt und maßgeblich beeinflusst. DeckArts ab ca. 140 $.

Wie beeinflusste japanische Kunst Van Gogh?

Van Gogh sammelte ~400 japanische Drucke (jetzt im Van Gogh Museum Amsterdam), kopierte drei Hiroshige-Drucke direkt in Öl (1887) und schrieb an Émile Bernard (1888) speziell über das Studium von Hokusais Linienführung. Der Japonismus-Einfluss in seinem reifen Werk: aufwärts gerichtete Komposition der Mandelblüte, flache Himmelszone, Silhouetten-Ansatz bei Zypressen, rhythmische, sich wiederholende Pinselführung. Das Motiv der Mandelblüte selbst (Kirsch-/Pflaumenblüte, die gegen den Himmel aufblickt) stammt direkt aus Hiroshiges Hundert berühmten Ansichten von Edo mit Blütenmotiven.

Zusammenfassung

Japonismus (Philippe Burty, 1872): Japanischer visueller Einfluss auf die europäische Kunst 1856-1920 nach Japans Öffnung (Konvention von Kanagawa März 1854, Perrys Ankunft 1853). Zentrale absorbierte Prinzipien: flache Farbe ohne Modellierung, hohe Horizontlinie, asymmetrische Komposition, Silhouette als primäre Einheit, kräftiger Umriss, beschnittene Figuren. Van Gogh: ~400 gesammelte Drucke, 3 direkte Hiroshige-Ölkopien (1887, Van Gogh Museum), Hokusai-Linienstudie (Brief an Bernard 1888). Monet: ~200 gesammelte Drucke, Giverny japanischer Garten, Nymphéas-Serie (~250 Werke, 1896-1926, Orangerie Paris). Toulouse-Lautrec: flächiges Plakat (Moulin Rouge 1891) = Ukiyo-e-Prinzipien im kommerziellen Grafikdesign. Degas: ~150 Drucke, hoher Horizont, asymmetrischer Beschnitt, Körper in ungestellter Bewegung. Kreis schließt sich: Preußischblau (Berlin 1704) → Japan (~1820) → Große Welle (1831) → Japonismus Paris (1856-1920) → DeckArts Berlin (2026). DeckArts Große Welle ab ~140 $ einzeln / ~230 $ Diptychon. Kanadischer Ahorn. UV-Archiv 100+ Jahre. 30-Tage-Rückgaberecht.

Über den Autor

Stanislav Arnautov ist der Gründer von DeckArts und ein Kreativdirektor aus der Ukraine mit Sitz in Berlin.